espacio de Crítica

Whitney Houston DEP

2012-02-12T10:17:00.000-08:00

Los creyentes (1987)

2012-02-07T05:48:00.000-08:00

Título original: The Believers
Director: John Schlesinger
Guionista: Mark Frost, basado en la novela de Nicholas Conde
Director de fotografía: Robby Müller
Música: J. Peter Robinson
Montaje: Peter Honess
Intérpretes: Martin Sheen, Helen Shaver, Harley Cross
imdb

"Los creyentes" es, junto con "El corazón del ángel", probablemente el mejor ejemplo del subgénero thriller terrorífico. Una película que, por sus pretensiones, probablmente sea despreciada por cierta crítica, pero que supone la mezcla perfecta entre terror y thriller. Menos efectista que "El corazón del ángel" pero igual de efectiva. Menos sorprendente pero más entretenida.

Pero sin duda lo mejor es que muestra como dotar al cine de terror de un ritmo del que a veces carece, especialmente aquellas películas, tan frecuentes desde los ochenta, que se convierten en una mera sucesión de sustos.

Teaser de la película.

"Los creyentes" cuenta la historia de un psiquiatra, interpretado por Martin Sheen, que colabora con la policia y que se ve envuelto en la investigación de unos crímenes que podrían estar relacionados con el voodoo.

Además servirá para recuperar a John Schlesinger, un director que podríamos calificar de artesano, y que rodó películas tan famosas como "Cowboy de medianoche", o thrillers de mucho exito en su momento pero bastante olvidados como "Domingo, maldito domingo" o "Marathon Man" (que contiene una de las mejores escenas de terror odontológico)

Poster polaco.

Gattaca (1997)

2011-12-08T17:18:00.000-08:00

Título original: Gattaca
Director: Andrew Niccol
Guionista: Andrew Niccol
Director de fotografía: Slawomir Idziak
Música: Michael Nyman
Montaje: Lisa Zeno Churgin
Intérpretes: Ethan Hawke, Jude Law, Uma Thurman
imdb

Andrew Niccol es un conocido guionista, autor de "El show de Truman". Como director su carrera ha sido bastante irregular pues, tras debutar con la sorprendente "Gattaca", sus películas se han inclinado más por un cine comercial (la reciente "In Time") o han sido fallidos intentos de repetir los esquemas de la ciencia ficción inteligente de "Gattaca" ("S1m0ne").

Hemos escrito a menudo sobre la capacidad de la ciencia ficción de funcionar como metáfora de dramas o conflictos reales desde un punto de vista más sugerente. Escribimos en septiembre de 2009, a propósito de "District 9", que "La ciencia-ficción demuestra así su capacidad metafórica para adaptar la dramática real a las ficciones más elaboradas.". E, incluso, en agosto de 2010, respecto a "Avatar", "La ciencia ficción es un género que brinda grandísimas oportunidades a los “creadores de ilusiones” para hablar de temas delicados de una forma innovadora (basta tomar el ejemplo de la excelente “Gattaca” para ver cómo se puede realizar ciencia ficción profunda sin caer en el efectismo sentimentaloide)."

El argumento de "Gattaca" nos sitúa en un sociedad retro-futurista, donde los seres humanos han conseguido dominar los misterios de la genética y utilizan ese conocimiento para determinar los caracteres de los futuros nacimientos.

En esa sociedad existen los individuos "in vitro" genéticamente casi perfectos y los "nacidos por fe", cuyos padres dejaron en "manos de Dios" su nacimiento.

Aunque la discriminación es ilegal, en la práctica, los "nacidos por fe" tienen limitado el acceso a cualquier puesto cualificado.

El protagonista, Vincent Freeman, un "nacido por fe", desea convertirse en astronauta, algo oficialmente imposible para un no "in vitro". Para conseguirlo deberá hacerse pasar por uno.

La forma cómo intentará engañar al sistema es simplemente fascinante.

Los actores están perfectos en sus papeles ayudados por el guión y la caracterización (ese cambio de imagen de Vincent).

Uno de los puntos fuertes del guión es la relación que se establece entre Vincent y algunos de los personajes con los que interctúa (como Irene o su hermano), y especialmente la relación que se establece entre Vincent y Eugene.

Uno de los grandes aciertos de la película es la estética. Aunque la hemos calificado de retro-futurista, tal vez sería más acertado hablar de presente paralelo. Pues, aunque el nivel tecnológico es más avanzado que el actual, tanto la ropa como los objetos que aparecen nos remiten a los años cincuenta. Por ello, parece tratarse de una realidad paralela con un desarrollo tecnológico mayor. En cierto modo todo ello nos recuerda al universo paralelo de "Fringe", con sus dirigibles.

También es destacable la elección de decorados, una selección de edificios de arquitectura singular, algo común en las películas de ciencia ficción de los setenta y que se ha abandonado en los últimos años en favor de los escenarios creados por ordenador. Los escenarios virtuales (es decir, el famoso croma) además de restar credibilidad a la imagen, también influye en las interpretaciones, al tener los actores que trabajar ante fondos azules (algo que sin duda influyo en la segunda trilogía de "Star Wars").

Y otro aspecto remarcable más de "Gattaca" es su banda sonora, obra de Michael Nyman, simplemente excepcional.

Y también lo es la fotografía del polaco Slawomir Idziak, que había trabajado con Krzysztof Kieslowski y que es el responsable también de la llamativa fotografía de "Black Hawk derribado" (el mayor acierto del film bélico) y que ha sido una de las fotografías más copiadas de los últimos años.

"Gattaca" es sin duda el mejor trabajo de Niccol, tanto a nivel de guión como de dirección. Un clásico moderno por derecho propio dentro de la ciencia-ficción.

La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte I (2011)

2011-12-04T13:54:00.000-08:00

Título original: The Twilight Saga: Breaking Dawn. Part 1
Director: Bill Condon
Guionistas: Melissa Rosenberg, basado en la novela de Stephenie Meyer
Director de fotografía: Guillermo Navarro
Música: Carter Burwell
Montaje: Virginia Katz
Intérpretes: isten Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner
imdb

Resulta difícil hablar de "Crepúsculo". Se trata sin duda de una película destinada a un público muy concreto y no se puede negar que consigue satisfacer plenamente las expectativas de ese público. Seguramente será difícil encontrar una película con una mayor diferencia en la puntuación entre hombres y mujeres (ver ratings en imdb).

Mi opnión personal es bastante negativa (aviso para fans); opinión que intentaré argumentar a continuación.

En primer lugar, "Crespúsculo" parece una combinación demasiado obvia de "Entrevista con el vampiro" y "Buffy cazavampiros", sin el estilismo barroco de esa película, ni el humor de la serie. Además la guerra entre vampiros y hombres lobo recuerda sospechosamente el argumento de "Underworld".

Así, pues, a nivel de argumento, "Crepúsculo" no aporta absolutamenente nada novedoso.

Además, el desarrollo de la historia es lento y empalagoso. Sólo el nombre de la protagonista, Bella Swan (Bella Cisne), ya da idea del tono pasteloso de todo el guión.

Y las escenas presuntamente dramáticas provocadas por el triangulo amoroso tienen mesos fuerza que algunos culebrones, seguramente debido a la reiteración.

Concretamente, en "Amanecer. Parte I", la primera parte (la de la boda) parece de un anuncio de colonias (Anaïs Anaïs y similares); la segunda parte (la luna de miel) recuerda los anuncios de Tommy Hilfiger; y sólo el último tramo, recupera levemente el interés.

¿Cuál es el problema de "Crepúsculo"? Básicamente, la falta de química entre los protagonistas. Pero no únicamente. Los tres personajes protagonistas son totalmente planos (quizás sólo el de Jacob, el hombre lobo, con su amor no correspondido, supera un poco la undimensionalidad), pero la relación entre Bella y Edward (copia descarada de la relación entre Buffy y Ángel en la serie homónima) resulta soporífera, esencialmente porque los actores que los interpretan (Robert Pattinson y Kristen Stewart ) carecen de toda química como pareja.

Respecto a la parte dramática del film, el sitio de la casa de los Cullen, seguramente podría haber resultado mucho más interesante con un poco más de tensión o, mejor dicho, con un poco de verdadera tensión.

Pero toda la tensión se centra en el embarazo de Bella, embarazo que por momentos parece más un melodrama sobre el aborto que una película fantástica.

"Amanecer. Parte I" es una película destinada a los fans de la saga "Crepúsculo" a los que satisfacerá plenamente. El resto (especialmente cinéfilos) absténgase por su propia salud.

Super 8 (2011)

2011-11-28T15:18:00.000-08:00

Título original: Super 8
Director: J.J. Abrams
Guionistas: J.J. Abrams
Director de fotografía: Larry Fong
Música: Michael Giacchino
Montaje: Maryann Brandon & Mary Jo Markey
Intérpretes: Elle Fanning, Amanda Michalka, Kyle Chandler
imdb

"Super 8" es ante todo un homenaje. Un homenaje al cine de los ochenta. Un homenaje al cine en general. Un homenaje a una pasión. El título "Super 8" es una declaración de intenciones, porque ante todo, esta película está hecha del material del que está hecho el celuloide.

"Super 8" es "Los Goonies" (1985) del siglo XXI, aunque en realidad es muchísmo mejor como película y, tal vez, sería mucho más acertado compararla a "Gremlins" (1984).

Aunque tenía una interesante experiencia en televisión, tras el estreno y el impacto de "Lost" (2004), JJ Abrams se convirtió en "la gran esperanza blanca", el tipo que aportaría aire nuevo a la televisión y al cine. Esas esperanzas se vieron defraudadas cuando dirigió la tercera entrega de "Misión Imposible" (2006), tras el estreno de su siguiente serie, Fringe (2008), que más bien parecía un remake de "Expediente X", que una revolución y del estreno de su producción "Monstruoso" (Cloverfield) (2008).

Pero todo eso cambió con su actualización de "Star Trek" (2009), como escribimos en aquel momento: Estamos ante un gran espectáculo, un entretenimiento total. Sí, es una space opera, pero una space opera que emociona, donde se nos cuenta como se conocieron la tripulación de Star Trek. Las peculiaridades por las que conocemos a cada uno de ellos están aquí, pero todo mezclado con un toque hawksiano en el tratamiento del grupo enfrentado a un gran peligro.

Hay algunas películas que consiguen emocionarnos al recordar un tiempo pasado (no siempre mejor), como "Verano del 42" o "Días de radio" (dos que se me ocurren ahora mismo). También hay películas que suponen un homenaje al cine, tanto como espectadores, "Cinema Paradiso", o como creadores, "Ed Wood".

JJ Abrams consigue con "Super 8" combinar ambas facetas, el recuerdo del cine de su infancia con la pasión por filmar (mucho mejor retratada aquí que en las pretensiones artísticas de "Dawson Creek").

Pero vayamos a por el argumento: un grupo de jóvenes que están grabando una película de zombis en super 8, van por la noche a una estación de tren a rodar una escena. Allí presenciarán el descarrilamiento de un tren.

Inmediatamente aparecerá el ejército y descubriremos que no se ha tratado de un vulgar accidente de tren.

Los chicos se verán envueltos por los misteriosos sucesos que empiezan a desarrollar en el pueblo, mientras intentan continuar con su película y lidiar con algunos pequeños problemas personales.

"Super 8" es un espectáculo total, una película sobre otra película, es un homenaje al cine de los ochenta, es una película sobre una pandilla, es una película de monstruos, es un...

"Super 8" es CINE.

American Horror Story (2011) (TV)

2011-11-23T04:39:00.000-08:00

Título original: American Horror Story
Director: David Semel y otros
Guionistas: Brad Falchuk y Ryan Murphy
Director de fotografía: Michael Goi, John B. Aronson
Música: James S. Levine
Montaje: Bradley Buecker, Fabienne Bouville
Intérpretes: Connie Britton, Dylan McDermott, Taissa Farmiga
imdb

Una familia se va a vivir a una casa donde suceden hechos extraños. Con esta premisa argumental pueden haber pensado en "Hay alguien ahí", la serie de Cuatro que intentaba aprovechar el exito internacional del nuevo terror español adaptándolo a la televisión, con resultados más que fallidos.

También es posible que piensen en "Marchlands", la serie británica que también versaba sobre familias y casas encantadas.

"American Horror Story" está mucho más cerca de la segunda, por su calidad, aunque es bastante más oscura, sexual y retorcida.

Otro referente que se nos ocurre, incluso por el nombre, es "The Rocky Horror Picture Show", con la que comparte el gusto por el exceso, casi diríamos por el delirio gótico, aunque claro, sin llegar a los límites de "Rocky Horror".

"American Horror Story" reune tiene como protagonistas a la actriz televisiva Connie Britton y al actor Dylan McDermott, conocido en España por la serie "El abogado" y por las películas "En la línea de fuego" o "The Messengers", aunque también tiene un papel destacado la gran Jessica Lange.

Visualmente la serie es irreprochable, al nivel de cualquier producción cinematográfica (como nos viene acostumbrando la ficción televisiva últimamente), destacando la fotografía. La música incluye piezas "robadas" como "Twisted Nerve", la banda sonora de "Vertigo", etc. aunque hay que reivindicar la desasosegante melodía inicial.

El principio de la serie es impactante, aunque corre el peligro de repetirse a nivel de recursos. Si ya la casi totalidad de las películas acerca de casas encantadas parecen copiarse unas a otras, imáginense la dificultad de desarrollar una serie entera.

(SPOILER) Entre los hallazgos que hemos visto hasta ahora, destacar por ejemplo el personaje de la asistente, una mujer mayor para las demás mujeres, pero una joven irresistible para los hombres (algo así como una versión oscura de "Amor ciego"), situación que ha dejado ya algunas de las escenas más impactantes (como la hija encontrando a su padre en situación comprometida con la que, para ella, es una mujer mayor).

Apollo 18 (2011)

2011-11-20T15:45:00.000-08:00

Título original: Apollo 18
Director: Gonzalo López-Gallego
Guionistas: Brian Miller y Cory Goodman
Director de fotografía: José David Montero
Montaje: Patrick Lussier
Intérpretes: Warren Christie, Ryan Robbins, Lloyd Owen
imdb

En los últimos años hemos vivido un boom de uno de los subgéneros menos transcurridos en la historia del cine: el falso documental o, en inglés, mockumentary, un boom que probablemente inició esa película tan mediocre pero tan influyente que fue "Blair Witch's Project". En este blog hablamos hace dos años de uno de los primeros ejemplos de falso documental de terror, "Ghostwatch", de 1992. Y también hemos hablado de dos de los ejemplos más importantes de la reciente ola, "[Rec]" y "Actividad paranormal".

Este género ha cambiado totalmente el panorama del terror actual. Parecía que el cine actual había perdido la capacidad de aterrorizar, que ya no se podrían repetir impactos como el de "La semilla del diablo", "El exorcista" o "Alien". Por ello, el recurso del presunto documental ha permitido pulsar una tecla nueva en los espectadores, una tecla que permitía, aparentemente, sortear, la incredulidad de nuestros tiempos usando, precisamente, el género "realista" por antonomasia, el documental.

"Apollo 18" mezcla fantástico y terror, bajo el paraguas del falso documental. El argumento cuenta la historia del Apollo 18, una misión secreta de la NASA cuyas cintas se han recuperado y se han filtrado en una web (guiño a Wikileaks).

Estas cintas muestran el viaje de los astronautas (siempre imitando esa textura tan sugerente de las expediciones originales de los sesenta y setenta). Aparentemene es un viaje más a la Luna, aunque este viaje tiene como destino el lado oscuro.

Allí descubrirán evidentemente que hay algo más en la Luna demás de rocas.

La realización es perfecta. La dirección, de Gonzalo López-Gallego, que ya nos sorprendió con "El rey de la montaña", es eficiente, aunque, como suele suceder en los casos de falsos documentales de, llamémosle así, "cintas encontradas" la clave está en el montaje.

Y respecto a los decorados (que podría ser el aspecto más delicado de filmar un documental en la Luna) hay que decir que son simplemente perfectos, incluyendo la nave.

La calidad de la película es tal que obligó a la NASA a aclarar que no tenía ninguna relación con "Apollo 18".

La habitación del niño (2006)

2011-10-30T16:04:00.000-07:00

Título original: Películas para no dormir: La habitación del niño
Director: Álex de la Iglesia
Guionistas: Álex de la Iglesia y Jorge Guerricaechevarría
Director de fotografía: José Luis Moreno
Montaje: Alejandro Lázaro y David Pinillos
Música: Roque Baños
Intérpretes: Javier Gutiérrez, Leonor Watling, Sancho Gracia
imdb

"Películas para no dormir" es el homenaje que los más importantes directores de terror españoles actuales (lo cual equivale a decir algunos de los mejores del panorama mundial) dedicaron a la serie "Historias para no dormir" de Narciso Ibáñez Serrador (mi artículo sobre Ibáñez Serrador, en inglés). Entre los directores elegidos estaban Jaume Balagueró, Paco Plaza o Alex de la Iglesia, director de "La habitación del niño".

En muchas ocasiones las películas fracasan por un exceso de pretensión. Sin duda, éste era el principal problema de la última película de Alex de la Iglesia, "Balada triste de trompeta", pero también de un gran número de obras que, por exceso de pretensión de espectáculo o de profundidad, pierden parte (o incluso toda) su fuerza.

En cambio esto es lo bueno de las obras que forman parte de estas "Películas para no dormir" o de la serie "Masters of Horror", o lo que hizo de "Rec" algo único. "La habitación del niño" es el mejor ejemplo de ello.

Uno de los fuertes de la obra que nos ocupa es el guión. Con elementos de casa encantada, del teror japonés (el uso, o mejor dicho aprovechamiento, de la tecnología), con algo del mundo del periodismo; es decir, con múltiples elementos muy bien conjuntados.

El metraje se hace corto, gracias, como ya hemos mencionado, al eficiente guión y a la robusta dirección de Alex de la Iglesia.

El protagonismo recae en Javier Gutierrez, perfecto como Juan, acompañado por los conocidos Leonor Watling y Sancho Gracia.

Y también mencionar la música del galardonado Roque Baños, más efectista (y, quizá, efectiva) que la de "Intruders", de la que también hablamos hace poco.

La demostración de que no es necesario disponer de grandes recursos para crear una película de terror entretenida.

La Cosa (The Thing) (2011)

2011-10-28T08:50:00.000-07:00

Título original: The Thing
Director: Matthijs van Heijningen Jr.
Guionistas: Eric Heisserer, basado en "Who Goes There?" de John W. Campbell Jr.
Director de fotografía: Michel Abramowicz
Montaje: Peter Boyle, Julian Clarke, Jono Griffith
Música: Marco Beltrami
Intérpretes: Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen
imdb

El cuento de John W. Campbell Jr., "Who Goes There?" había gozado ya con dos adaptaciones de altísimo nivel: en 1951 fue "El enigma... de otro mundo" de Christian Nyby y en 1982 John Carpenter realizó su versión de la que hemos hablado anteriormente. Por ello, llevar a cabo una nueva revisión de este clásico era una temeridad que rozaba la herejía. Mi escepticismo no podía ser mayor.

Ante todo aclarar que la versión de Matthijs van Heijningen Jr. no es oficialmente un remake de la versión de 1982, sinó una precuela, es decir, que cronológicamente se transcurre con anterioridad a la de Carpenter.

Y recalco lo de oficialmente porque es cierto que la película cuenta lo que ocurrió al equipo noruego del que se habla en la versión de 1982, pero también que la versión de 2011 juega las mismas bazas que su predecesora, tal vez aportando un punto más de acción/aventura y dejando en un segundo plano el aspecto más psicológico de aquella.

Debo admitir que, a pesar de todo mi escepticismo, esta versión no me pareció mala en absoluto. Obviamente, debe evitarse cualquier comparación; sólo así se podrá disfrutar. Como ya hemos mencionado, esta versión tiene un mayor componente de aventura pero que nadie piense en Michael Bay, porque esto no tiene nada que ver (afortunadamente).

Respecto a la elección de personajes, se han realizado dos cambios importantes respecto a la versión de 1982: introducción de personajes femeninos (ausentes en la versión de 1982), combinación de personajes americanos y noruegos.

Se puede intuir la influencia de otro clásico del terror, el "Alien" de Ridley Scott, en el personaje protagonista, la doctora Kate Lloyd, que por momentos recuerda a la Teniente Ripley, interpretada por Sigourney Weaver.

Tal vez la principal crítica que se le puede hacer a esta versión es la de no haber buscado su propio camino. Uno de los méritos de la original era lo diferente que resultaba del original. También es uno de los puntos fuertes de la saga Alien, que todas las versiones buscan su propio camino, distinto del de sus predecesoras (aunque no siempre con la misma fortuna). En cambio, "La cosa" de 2011 se limita a reproducir los esquemas del original, con escasas aportaciones.

Nuestra recomendación es que disfruten de esta precuela, y después (re)visionen una de las obras maestras de John Carpenter, "La cosa" de 1982.

La Cosa (The Thing) (1982)

2011-10-28T03:55:00.000-07:00

Título original: The Thing
Director: John Carpenter
Guionistas: Bill Lancaster, basado en el cuento de John W. Campbell Jr.
Director de fotografía: Dean Cundey
Montaje: Todd C. Ramsay
Música: Ennio Morricone
Intérpretes: Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David
imdb

Hace pocos meses hablamos de "The Ward", de John Carpenter, donde reivindicamos la figura de este maestro del terror. "La cosa", de 1982, es juntamente con "Halloween", su obra más celebrada. Y, aunque personalmente adoro "La niebla", "La Cosa" es, por los motivos que intentaremos desarrollar a continuación, una obra esencial en la historia del cine (no sólo de terror) posterior.

La historia de John W. Campbell Jr., "Who Goes There?", ya fue adaptada en "El enigma... de otro mundo" (1951), dirigida por Christian Nyby, en la que colaboró el gran Howard Hawks. Pero la versión de Carpenter aporta una tridimensionalidad que los medios y el lenguage cinematrogáfico de los años cincuenta no permitían.

La fotografía de Dean Cundey explota la inmensidad de los paisajes árticos y la claustrofobia de los espacios reducidos de la estación donde se encuentran los protagonistas. La música de Ennio Morricone es otro elemento clave del ambiente crudo pero al mismo tiempo mágico de "La cosa". Y es que crear su propio "mundo" es uno de los logros más sugerentes y perdurables que puede conseguir una obra artística, y es una de las grandes virtudes de "La cosa" (como en su momento lo era de "La niebla").

Hace pocos días hablabamos de "Intruders", la última película de Juan Carlos Fresnadillo, y lamentábamos que no llegase a aterrorizar en ningún momento. En este sentido, "La cosa" podría ser la única película de terror que reune las tres principales ramas de este género: el terror que sobresalta (el que "da sustos"), el terror gore; y el terror psicológico.

Especialmente memorable es en este último aspecto; si me permiten un pequeño spoiler (no lean el resto de la frase los que aun no hayan visto la película), por el hecho de no saber nunca quién es humano y quien "la cosa". Tal vez sólo en la "Invasión de los ultracuerpos" (versión de 1978) se ha transmitido tan bien la impotencia e inseguridad que provoca no poder diferenciar al "diferente", al enemigo.

El guión, además de tener un tempo perfecto, como ya hemos dicho, aprovecha muchas de las posibilidades del género. Todo ello se sustenta en una veraz (al menos, a los ojos de alguien que no haya estado allí) descripción de la vida en una estación antártica, y de las relaciones entre esos hombres encerrados durante meses.

Y dominándolo todo, la mano maestra de Carpenter, convirtiendo "La cosa" en una película intemporal, en un estandard (un modelo a seguir) para mucho del terror que se ha creado posteriormente.

Intruders (2011)

2011-10-11T04:24:00.000-07:00

Título original: Intruders
Director: Juan Carlos Fresnadillo
Guionistas: Nicolás Casariego y Jaime Marques
Director de fotografía: Enrique Chediak
Montaje: Chris Gill
Música: Roque Baños
Intérpretes: Clive Owen, Carice van Houten, Daniel Brühl
imdb

No me tiemblan las manos al escribir que Juan Carlos Fresnadillo tiene el début más interesante y remarcable de la reciente (y no tanto) cinematografía española: "Intacto", una obra que tenemos pendiente de tratar en este espacio, y que podía presumir de uno de los mejores guiones en español que se recuerdan.

Posteriormente dirigió la secuela de "28 días después", "28 semanas después", que, sin ser una gran película, sí superaba al original de Danny Boyle.

Por ello esperaba ansioso la llegada de este "Intruders", la aproximación de Fresnadillo al mundo de lo que Iker Jiménez llamaría "visitantes nocturnos".

Siendo sincero debo admitir que "Intruders" supuso una pequeña decepción. No, porque la película sea mala, que no lo es, sino porque, en contra de lo esperado, no da miedo.

El argumento de "Intruders" gira alrededor de dos familias, una en la España de los sesenta/setenta, y otra en la Inglaterra del presente, que deben hacer frente a un visitante inesperado.

Las dos familias recurrirán a los medios que la época en que viven pone a su alcance para enfrentarse al visitante y recuperar su tranquilidad pero, obviamente, no será nada sencillo.

En los papeles principales tenemos a dos niños, correctos, a la siempre apreciable Pilar López de Ayala, y a Clive Owen, actor de facciones progresivamente más rocosas y menos expresivas.

La dirección es correcta, pero todo el conjunto se resiente de una falta de fuerza terrorífica provocada por distintos factores.

En primer lugar la música de Roque Baños; es evidente que Baños es un gran compositor pero su música es excesivamente "sutil" para una obra que pretenda provocar auténtico terror (dejando de lado el terror psicológico, que no es el caso de "Intruders").

En segundo lugar, el guión carece de escenas realmente poderosas (de esas que inundan clásicos como "El exorcista"), tal vez sólo la escena del "exorcismo" en la iglesia tenga ese poder.

Mi impresión es que Fresnadillo es un director de fantástico y/o de thriller pero no de terror, al menos no de este tipo de terror. En todo caso, "Intruders" es una película que, sin llegar a impactar, no aburre.

Mýrin (Jar City) (2006)

2011-09-01T23:23:00.000-07:00

Título original: Mýrin
Director: Baltasar Kormákur
Guionistas: Baltasar Kormákur, basado en la novela de Arnaldur Indriðason
Director de fotografía: Bergsteinn Björgúlfsson
Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir
Música: Mugison
Intérpretes: Ingvar Eggert Sigurðsson, Ágústa Eva Erlendsdóttir, Björn Hlynur Haraldsson
imdb

"Mýrin" es la adaptación cinematográfica de la novela negra del escritor islandés Arnaldur Indriðason editada en España como "Las marismas". Indriðason forma parte de los autores nórdicos que han llegado a nosotros con la fiebre de la novela negra escandinava/nórdica, aunque su estilo es más oscuro que el de otros nombres conocidos. Es también autor de las magníficas "La voz" y "El hombre del lago".

El protagonista de sus novelas es Erlendur, un viejo policia de carácter difícil y con una situación familiar aun más compleja que su carácter.

Uno de los aspectos meritorios de la obra de Indriðason es que, a pesar de haber escrito la mayor parte de su obra durante la bonanza económica islandesa, sus novelas nos muestran la parte oscura de esta sociedad. Y "Jar City", rodada en 2006, aun potencia más esta sensación.

El uso de los fabulosos paisajes islandeses aumenta la sensación de soledad y aislamiento que siente Erlendur, así como la indefensión ante las agresiones del medio (perfectamente simbolizadas por ese viento que azota a los protagonistas en el cementerio.

"Mýrin" es una adaptación que satisfacerá a los lectores del libro, pues capta la esencia de éste. Y las licencias en la adaptación del guión, aunque tal vez innecesarias, no alteran la historia. Pero no sólo ésto sino que también consigue que las imágenes (que al fin y al cabo son lo que esencialmente diferencia al libro de la película) aporten un componente adicional. El uso de la fotografía y del montaje, los planos aéreos o lejanos, contribuyen a dotar al film de una dimensión nueva, de la que, por raazones obvias, carece el libro, y que compensa en cierto modo las carencias que la película pueda tener respecto al libro.

Como comentario curioso, dos reflexiones acerca de la "ciudad de los tarros" que da nombre a la película. Por los recortes del guión respecto a la novela, no queda suficientemente explicado el significado de la expresión, y sólo se intuye por una de las imágenes más potentes del film (la primera que acompaña este análisis). La segunda reflexión es mencionar los paralelismos entre esta "ciudad de los tarros" y las piscinas de cadáveres que aparecían en la reivindicable aunque sumamente irregular "El sueño del mono loco", de Fernando Trueba.

Master & Commander: El otro lado del mundo (2003)

2011-08-26T06:49:00.000-07:00

Título original: Master and Commander: The Far Side of the World
Director: Peter Weir
Guionistas: Peter Weir y John Collee, basado en varias novelas de Patrick O'Brian
Director de fotografía: Russell Boyd
Montaje: Lee Smith
Música: Iva Davies, Christopher Gordon y Richard Tognetti
Intérpretes: Russell Crowe, Paul Bettany, Billy Boyd
imdb

Peter Weir es uno de esos directores que en el pasado habría sido denostado por cierto sector de la crítica como "artesano". Un director que realiza buenas películas, con un relativo exito de público pero nada más. Pero eso sería un terrible error, pues Peter Weir acumula una de las filmografías más interesantes y sólidas del actual panorama cinematográfico.

Ya en 1974 nos sorprendió con la mágica y estimulante "Picnic en Hanging Rock", a la que siguió magistral "La última ola", que juntamente con "Long Weekend" de Colin Eggleston, crearon lo que se llamaría el "gótico australiano".

Desde entonces se filmografía está plagada de grandes películas (El año que vivimos peligrosamente, La costa de los mosquitos y Matrimonio de conveniencia) y de buenas películas de gran éxito (Único testigo, El club de los poetas muertos, El show de Truman).

Por ello resulta difícil imaginar un director más apropiado que Weir para trasladar al cine las aventuras del capitán Jack Aubry, personaje creado por el escritor Patrick O'Brien.

"Master & Commander" nos cuenta la persecución, a la que es sometido el buque francés "Acheron" por parte del británico "Surprise", persecución que en muchos momentos parecerá a la inversa. El enfrentamiento con el barco francés se convertirá en una obsesión para el capitán que por momentos recordará, salvando distancias, a la del capitán Achab con Moby Dick.

El retrato de la vida en el barco es tal vez el aspecto más llamativo de la película pues, en mi opinión, nunca se habían retratado tan bien algunas de las tareas rutinarias en un barco de la época. Y todo ello de forma apasionante.

Resulta curioso como en algunas películas las tareas rutinarias (aparentemente menos cinematográficas) se convierten en los pasajes más interesantes (como sucede en las escenas de cocina de "Comer, beber, amar". No es el caso de "Master & Commander" donde, como debe ser, las batallas entre los dos buques constituyen los más majestuoso del metraje, pero sin duda los momentos costumbristas no desmerecen al resto.

"Master & Commander" es un negativo de "Piratas del Caribe" también de 2003. El guión, el punto más débil de "Piratas del Caribe" es uno de los pilares de "Master & Commander". La dirección, simplemente competente en "Piratas..." es en "M&C" perfecta. Música y fotografía tienen en "Piratas..."la calidad media/mediocre de los blockbusters hollywoodienses; mientras en "M&C se ajustan perfectamente a los dos niveles en los que se desarrolla la acción, la macroacción, en el barco, y la microacción de los personajes.

Una película clásica, en el mejor sentido del término.

Francesc Català-Roca

2011-07-21T11:03:00.001-07:00

"Era el primero, era el mayor, era el mejor, y era el maestro."

Francesc Català Roca from Jaume Orpinell on Vimeo.

12 hombres sin piedad (1957)

2011-07-17T08:49:00.000-07:00

Título original: 12 Angry Men
Director: Sidney Lumet
Guionistas: Reginald Rose
Director de fotografía: Boris Kaufman
Montaje: Carl Lerner
Música: Kenyon Hopkins
Intérpretes: Henry Fonda, Lee J. Cobb, Martin Balsam, E.G. Marshall
imdb

"12 hombres sin piedad" (título ligeramente desacertado para el original "12 hombres enfadados") es una película sorprendente. El argumento parte de un planteamiento arriesgado: la deliveración de un jurado acerca de un juicio que presenta (aparentemente) pocas dudas.

La insistencia de uno de los jurados (interpretado por Henry Fonda) en que le dediquen al menos un poco de tiempo antes de tomar la decisión definitiva hará que vayan surgiendo, poco a poco, ciertas dudas en un caso que era, a priori, evidente.

Sidney Lumet era uno de los directores representantes de lo que se llamó la "generación de la televisión". Debutó con esta película que, según dicen, había planificado ya otro miembro de esa generación, Franklin J. Schaffner (director de "El planeta de los simios").

Aunque había sido bastante olvidado, a pesar de haber conseguido notoriedad en los setenta por películas como "Serpico" o "Tarde de perros", en 2007 sorprendió con "Antes que el diablo sepa que has muerto".

"12 hombres sin piedad" no oculta su origen teatral (origen de muchos de los fracasos al convertir obras de teatro en películas) sinó que hace hincapié en él. De hecho, la única diferencia entre estos "12 hombres sin piedad" y la versión teatral es que aquí el director puede "fijar" nuestra atención en lo que considera más importante.

Resulta inevitable hablar de la genialidad del guión de Reginald Rose, adaptando su propia obra de teatro. La forma en que consigue ir aumentando la tensión, tanto en la sala donde está reunido el jurado como en el espectador, resulta magistral. También como los prejuicios e intereses ocultos van revelándose poco a poco.

Y ciertamente la dirección de Lumet es perfecta, sin pretender inventar nada, se "limita" a filmar de la forma más eficiente el guión, consiguiendo transmitir completamente las emociones que surgen durante el debate de los jurados.

The Ward (2010)

2011-07-17T07:27:00.000-07:00

Título original: John Carpenter's The Ward
Director: John Carpenter
Guionistas: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen
Director de fotografía: Yaron Orbach
Montaje: Patrick McMahon
Música: Mark Kilian
Intérpretes: Amber Heard, Mamie Gummer, Danielle Panabaker
imdb

Hablar de John Carpenter es hablar de uno de los maestros del cine de terror, probablemente el director más importante del género desde finales de los setenta hasta mediamos de los ochenta; títulos como Halloween (1978), La cosa (1980) y La Niebla (1982) bastarían para justificar ese calificativo.

Pero Carpenter, que sufre problemas de salud desde hace años, no había dirigida una película desde 2001 (año de la decepcionante "Fantasmas de Marte"), aunque sí dos episodios de "Masters of horror". Y su última gran película de terror había sido la reivindicable "En la boca del miedo", de 1994. Por ello los aficionados al género esperaban con ansia "The Ward".

Evidentemente "The Ward" no es ninguna de esas obras maestras, básicamente por el previsble (aunque juegue la baza del final sorpresa) guión. Pero algunas escenas recuerdan al gran Carpenter, el genio que adaptaba los elementos del western al cine fantástico o al terror magistralmente.

El maestro dirigiendo a Amber Heard

"The Ward" cuenta la historia de una chica detenida por incendiar una casa e internada en un psiquiátrico, donde convivirá con otras internas y una presencia amenazante, ante la previsible incredulidad de los trabajadores y médicos de esa institución.

El guión es más que previsible, pero Carpenter consigue que al menos los sustos sean efectivos. El metraje se hace corto, pero algunas escenas provocan una sensación de déjà vu, como si las hubiesemos visto mil veces.

"The Ward" merece ser vista por diversas razones; en primer lugar porque, en algunos pasajes (como el del baile y el apagón que le sigue) se percibe la mano del gran John Carpenter. Porque Carpenter no es sólo un nombre en los títulos de crédito sinó la firma de un auténtico maestro.

Otra consideración interesante sería un visionado comparativo de este "The Ward" con el "Frágiles" de Jaume Balagueró. Si la obra de Carpenter es la obra de un director "clásico" (en el sentido positivo del término), la obra del catalán es una muestra del "nuevo terror europeo", ese que, juntamente con el terror japonés (o asiático, si se prefiere), ha relevado a la industria norteamericana como generadora de pesadillas cinematográficas.

La gran pregunta que se plantea tras visionar "The Ward" es qué podría haber hecho Carpenter con un buen guión. Probablemente nunca dirija otra obra como "La cosa", pero sin duda estaría entre las mejores películas de terror del año.

Indidious (2010)

2011-07-16T02:44:00.000-07:00

Título original: Insidious
Director: James Wan
Guionistas: Leigh Whannell
Director de fotografía: David M. Brewer, John R. Leonetti
Montaje: Kirk M. Morri, James Wan
Música: Joseph Bishara
Intérpretes: Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins
imdb

Insidious es la típica película de casas encantadas. O no, porque ambas ambos calificativos podrían discutirse. No entraremos a discutir sobre si la casa está o no encantada, porque para ello deveríamos desvelar algunos aspectos del argumento que es mejor que permanezcan secretos, y además sería un debate más propio de Iker Jiménez o Sebastia D'Arbó que de un blog de cine. Así que limitémonos a comentar si es la típica película o no.

Insidious intenta por una parte, distanciarse de los tópicos del género y, por otra, homenajearlo. Resultan dos tareas contradictorias, lo que provoca que la película pase en ocasiones de la moderada "revolución" al casi-plagio.

El inicio es prometedor y el interés no decae en ningún momento (afortunadamente pues muchos de los creadores de películas de fenómenos paranormales de los últimos tiempos piensan que con un buen principio y un final sorprendente son suficientes para hacer una película).

Algunos pasajes son un más que evidente homenaje a Poltergeist, y también a El ente"(homenaje declarado con la aparición de la gran Barbara Hershey en el papel de la abuela). Incluso los que desconozcan estas obras esenciales del terror de los ochenta, pueden pensar en "El orfanato". "Insidious" es menos clásica que la obra de J.A. Bayona, aunque bastante más entreneida; si la primera era una película para "todos los públicos", incluso los reticentes al terror, "Insidious" es una obra para los amantes del terror.

Por algún motivo que, sinceramente desconozco, resultante especialmente cinematográfico ver a especialistas, como parapsicólogos, investigar casos como el que cuenta la película. Tal vez sea por la fascinación que los humanos sentimos hacia lo desconocido y nuestra necesidad de intentar aprehenderlo (aunque sea con los surrealistas instrumentos usados por estos especialistas, o tal vez sea porque el tono académico o pseudo-médico dota a los hechos de mayor verisimilitud, el hecho es que en casi todas las películas mencionadas (además de en otros clásicos, como por ejemplo "Al final de la escalera") las escenas con los supuestos especialistas son de lo mejor de la obra.

Muy recomendable obra de terror. Podría ser más redonda, es cierto, pero probablemente no sería tan entretenida.

Algunas canciones de Pop Estonio

2011-07-16T02:38:00.000-07:00

Ahí va una pequeña selección de música estonia, especialmente de la década pasada. El único criterio seguido es el de mis preferencias personales, con algunas concesiones donde los caprichos prevalecen sobre la calidad. :)

Espero que descubran alguna perla.

Red Riding (2009) [TV]

2011-06-17T08:57:00.000-07:00

Director: Julian Jarrold (1974), James Marsh (1980), Anand Tucker (1983)
Guión: Tony Grisoni, basado en la novela de David Peace
Intérpretes: David Morrissey, Andrew Garfield, Anthony Flanagan
Red Riding: In the Year of Our Lord 1974 (imdb)
Red Riding: In the Year of Our Lord 1980 (imdb)
Red Riding: In the Year of Our Lord 1983 (imdb)

"Red Riding" es una triologia británica producida por Channel 4 que adapta cuatro novelas de David Peace (Red Riding Quartet) en tres largometrajes para la televisión. Así, de las cuatro novelas, que llevan por título los años en que tienen lugar los hechos (1974, 1977, 1980 y 1984) se convierten en tres películas (1974, 1980 y 1983).

Los tres capítulos de "Red Riding" siguen la evolución de un pequeño pero poderoso grupo de policías corruptos en la ciudad de Yorkshire, todo ello durante la investigación por los crímenes del "destripador de Yorkshire".

La primera entrega, "1974", mezcla perfectamente, la corrupción policial (con gran interpretación de Sean Bean como magnate corrupto), la investigación por los crímenes del "destripador de Yorkshire" y la relación entre el protagonista, un joven periodista, y la madre de una de las niñas desaparecidas.

La segunda entrega, "1980" muestra la investigación interna que se pone en marcha por la ineficiencia policial en la captura del destripador.

Es la película más oscura de las tres, no tanto a nivel argumental sinó de fotografía. A pesar de la dureza de algunas de las situaciones de las otras dos películas, la desesperanza que baña ésta es mucho mayor. Si en las otras siempre parece existir una salida, en "1980" la salida se muestra más complicada que nunca.

La tercera entrega, "1983", es la más confusa e irregular de las tres, pero también la más apasionante.

Se percibe que la necesidad de resumir los sucesos de la tercera novela, y de la novela eliminada, para que el resultado global fuese coherente, lleva a una acumulación de situaciones levemente desconcertante.

Pero la fuera dramática del argumento es tan grande que consigue hacernos olvidar cualquier incongruencia. La dirección es de una solidez absoluta, y "1983" se convierte en un final (casi) perfecto para la trilogía.

The Killing (2011) [TV]

2011-05-26T15:16:00.000-07:00

Directores: Ed Bianchi, Agnieszka Holland

Guionistas: Veena Cabreros Sud, Søren Sveistrup, Dawn Prestwich

Director de fotografía: Peter Wunstorf

Montaje: Amy E. Duddleston

Música: Frans Bak

Intérpretes: Mireille Enos, Jamie Anne Allman, Annie Corley

imdb

"The Killing" es una serie norteamericana de la cadena AMC basada en la serie danesa "Forbrydelsen". Aunque el punto de partida pueda recordar al de la mítica "Twin Peaks" (una chica joven aparece muerta), esas son todas las similitudes existentes entre ambas series.

"The Killing" tiene mucho que ver con la novela negra escandinava, con una mezcla de Camilla Läckberg y Stieg Larsson.

La acción se divide en tres ramas argumentales distintas: los dos policias que investigan el asesinato, la familia de la víctima, y la campaña para la alcaldia de Darren Richmond. Todos ellos estan relacionados con la muerte de Rosie Larsen.

A medida que transcurra la investigación iremos conociendo los secretos que todos ellos guardan.

"The Killing" se revela desde el primer capítulo como una serie poderosa, convincente, con una solidez basada en fuerza de sus imágenes y de sus interpretaciones.

Sin duda una de las mejores series de los últimos años. Una serie que ningún amante del género negro debería perderse.

Rare Exports (2010)

2011-04-10T11:30:00.000-07:00

Título original: Rare Exports
Director: Jalmari Helander
Guionistas: Jalmari Helander, Juuso Helander, Petri Jokiranta, Sami Parkkinen
Director de fotografía: Mika Orasmaa
Montaje: Kimmo Taavila
Música: Juri Seppä, Miska Seppä
Intérpretes: Jorma Tommila, Peeter Jakobi, Onni Tommila
imdb

Hablamos hace poco de una película estonia, 'Hukkunud Alpinisti' hotell (1979), en la versión inglesa de este blog, y hoy vamos a hablar de una película finlandesa, "Rare Exports". Aunque se trate de una obra completamente distinta.

Un punto de partida sorpredente (un grupo de buscadores de tesoros busca la tumba de Santa Claus; sí, sí, lo que han leído), pero resulta que el anciano barbudo no está muerto sino dormido (como presuntamente Walt Disney. Además la imagen que tenemos de Santa Claus se ha visto alterada por el paso de los siglos, y el auténtico Santa Claus tiene poco que ver con el anciano bondadoso que creemos.

La película mezcla con gran efectividad diferentes géneros como la aventura y el fantástico, con toques de terror y humor. La película no tiene nada que envidiar a cualquier producción norteamericana. Con un guión eficiente y un montaje adecuado, el metraje de "Rare Exports" pasa volando.

La primera parte de la película recuerda algunas cintas fantásticas de los ochenta, como "El Carnaval De Las Tinieblas" (1983)o "Gremlins" (1984). Pero pronto, la trama va introduciendo hábilmente los elementos humorísticos, hasta llegar a un final puramente aventurero, más enlazado con "Goonies" (1985). Y es que "Rare Exports" tiene mucho del cine juvenil pero gamberro de los ochenta, aunque basado y bañado por la estética y el costumbrismo finés (o lapón).

Película muy recomendable para descubrir otra forma de hacer cine fantástico, y para poder disfrutar de una película finesa, la filmografía de la que tenemos menos noticias desde los paises nórdicos.

23 (1998)

2011-04-06T15:10:00.000-07:00

Título original: 23. Nichts ist so wie es scheint
Director: Hans-Christian Schmid
Guionistas: Michael Dierking, Michael Gutmann, Hans-Christian Schmid
Montaje: Hansjörg Weißbrich
Director de fotografía: Klaus Eichhammer
Música: Enjott Schneider
Intérpretes: August Diehl, Fabian Busch, Dieter Landuris
imdb

Es curioso que existan dos peliculas con el número 23 en su título. Ello dice bastaten del poder simbólico de este número. La más conocida es la pelicula de Joel Schumacher de 2007 con Jim Carrey, que lleva por título "El numero 23" (The Number 23).

Pero existe una pelicula alemana, de 1998, cuyo titulo completo es "23. Nichts ist so wie es scheint" ("23. Nada es lo que parece"). Curiosamente, esta película escasamente conocida fuera de su pais, tiene ahora una vigencia inusitada por diversos de los temas que toca.

23 está basada en la historia real de Karl Koch.

Cuenta la historia de dos hackers que viven obsesionados por sus teorias conspiranoicas acerca de sociedades secretas y los Illuminati; sí, los de "Ángeles y demonios" de Dan Brown (editado dos años después del estreno de la película).

Influenciados por sucesos de la época, como el asesinato de Olof Palme, se verán involucrados en un caso de espionaje, al pasar informacion a agentes soviéticos de la RDA.

La tensión producida por la situación, y por hallarse entre las presiones de los espías soviéticos por obtener más información, y la presión policial sobre los hackers, llevara a Koch a un estado de paranoia y un consumo de cocaina creciente.

La historia aprovecha para introducir elementos históricos relevantes, como el mencionado asesianto de Palme, la guerra que enfrentó a la Libia de Gaddafi con los EEUU, o la tragedia de Chernobyl... Efectivamente, esta película de 1998 trata dos de los temas de mayor actualidad en 2011: las "relaciones" del dictador libio Muammar Gaddafi con Occidente; y los peligros de la energía nuclear.

Además se nos presenta la historia de los inicios del movimiento hacker. Y ya anticipa el debate surgido en 2010, tras la filtración de los "cables" de la diplomacia norteamericana por Wikileaks, acerca del valor de la información y de la necesidad de que la información esté disponible para el público. De hecho, por momentos, resulta difícil de creer que la película se rodase, doce años atrás.

Como obra cinematográfica, se trata de una película realizada con gran competencia y solvencia, con buenas interpretaciones y dirección, y efectividad técnica, pero cuyo mayor valor reside, como ya hemos comentado, en la anticipación.

Inside Job (2010)

2011-03-21T16:55:00.000-07:00

Título original: Inside Job
Director: Charles Ferguson
Guionistas: Chad Beck, Adam Bolt
Montaje: Chad Beck, Adam Bolt
Director de fotografia: Svetlana Cvetko, Kalyanee Mam
Música: Alex Heffes
Intérpretes: Alan Greenspan, Ben Bernanke, Larry Summers, Frederic Mishkin
imdb

El documental ganador del Òscar al mejor documental del año 2010 es un documental sobre la crisis económica, però no sobre sus efectos, sinó sobre sus orígenes, sobre aquellos que llevaron al mundo al borde del colapso. Es una denuncia de cómo la avaricia de unos y la complicidad de otros provocaron el mayor caos financiero de la historia, y de como tanto los primeros como los segundos escaparon sin rendir cuentas pero con grandes fortunas. Y, lo más grave, de cómo continúan decidiendo sobre la economía americana, y por extensión, la mundial.

Respecto a la calidad del documental, sólo se puede describir como excelente. Los títulos de crédito ya nos dan una muestra del nivel visual del resto de documental. El montaje de escenas aérias (que por momentos recuerda los títulos de crédito de "Candyman"), con "Big Time" de Peter Gabriel como fondo músical, y extractos de las entrevistas, actúa como trailer perfecto.

Ante la creciente dificultad que parecen sufrir los responsables de Hollywood para trasladar a la gran pantalla historias reales y creibles, el género documental está experimentando un esplendor nunca conocido antes, favorecido por internet, que permite que un género que anteriorment se limitaba a la televisión (y con casi nula presencia en salas de cine), tenga ahora una mayor difusión.

Un documental de visionado obligado que, combinado con "Enron: The Smartest Guys in the Room", compondrían un grandioso díptico sobre la crisis, sobre las entidades, organismos, instituciones, adminsitraciones, los hombres (y mujeres, pero menos) que nos llevaron al colapso.

En el centro de la tormenta (In The Electric Mist) (2009)

2011-03-12T02:13:00.000-08:00

Título original: In The Electric Mist
Director: Bertrand Tavernier
Guionistas: Jerzy Kromolowski y Mary Olson-Kromolowski,
basado en la novela de James Lee Burke
"In the Electric Mist with Confederate Dead"
Montaje: Larry Madaras, Roberto Silvi
Director de fotografia: Bruno de Keyzer
Música: Marco Beltrami
Intérpretes: Tommy Lee Jones, John Goodman, Peter Sarsgaard
imdb

Bertrand Tavernier es uno de los directores más interesantes del panorama europeo actual. En un registro totalmente alejado de la película que nos ocupa, Tavernier fue el artífice de la magnífica "Hoy empieza todo".

Por ello era especialmente ilusionante que se decidiese a adaptar una novela ambientada en los pantanos de Estados Unidos, un lugar perfecto para el misterio, el crimen, y las investigaciones policiales. En las últimas décadas hemos visto thrillers tan poco ambiciosos como acertados ambientados en esos parajes como "Llamada para un reportero" o "Causa justa".

Tavernier también sigue así los pasos de Jean Renoir, otro reputado director francés, que en 1941 realizó una incursión en el cine norteamericano para dirigir "Aguas pantanosas".

"In The Electric Mist" es una película interesantísima, y en muchos aspectos recuerda a la excelente "Lone Star" de John Sayles. Que también recuerda a otras obras de autores europeos que incursionan en la industria americana, como "A Little Trip to Heaven", del islandés Baltasar Kormákur.

Una aproximación diferente a un planteamiento argumental muy repetido: un policia de una pequeña y tranquila población investiga un crimen; una muestra de cómo hasta los puntos de partida más utilizados pueden desarrollarse por caminos distintos.

También deben destacarse las interpretaciones, con el gran Tommy Lee Jones a la cabeza, secundado por gente tan solvente como John Goodman, Peter Sarsgaard o Mary Steenburgen.

Saw VII 3D (2010) (y comentario sobre la saga)

2011-03-07T10:58:00.000-08:00

Título original: Saw 3D
Director: Kevin Greutert
Guionistas: Patrick Melton, Marcus Dunstan
Montaje: Andrew Coutts
Director de fotografia: Brian Gedge
Música: Charlie Clouser
Intérpretes: Tobin Bell, Costas Mandylor and Betsy Russell
imdb

Debo confesar que me había hecho ilusiones hacer de esta séptima parte de Saw, anunciada como "El capítulo final"; en primer lugar, porque el argumento anuncia una "moral batalla que explota sobre el brutal legado de Jigsaw", lo cual se interpreta como un duelo entre dos "herederos" de Jigsaw.

Además, y por primera vez en la saga, en la primera escena, tenemos una "prueba" pública, es decir, que tiene lugar ante el público. Esto y la base argumental (un hombre que ha sido víctima de Jigsaw se convierte en autor de un gurú de la autoayuda, cuya vida transcurre entre entrevistas y actos promocionales) hacen que uno se imagine que estamos ante una verdadera re-visión de la saga, de una renovación de unos códigos que, tras seis películas, se encuentran totalmente agotados.

Pero las expectativas se ven totalmente defraudadas por el desarrollo de la acción: estamos ante otra entrega de protagonista intentado salvar a amigos/familiares, con policías (ineptos) tras la pista, y ¡otra vez! un ayudante sorpresa de Jigsaw.

La dirección de Kevin Greutert, montador de cinco de las entregas anteriores (incluyendo las tres primeras), es correcta pero el problema es el repetitivo guión.

En el terreno casi cómico, llaman la atención las horas de metraje de video que dejó grabado Jigsaw antes de morir; sus "herederos" en la ficción le sacan más jugo que los herederos de Michael Jackson.

La película es entretenida, con las habituales escenas de la saga literalmente insoportables más propias del cine gore que del thriller terrorífico. Escenas que provocaron que la anterior entrega, la sexta, recibiera el calificativo X por el Ministerio de Cultura. Pero en general, la sensación es que, a pesar de algunas entregas mediocres, una saga que tanto ha influído en el terror posterior, merecía un final más memorable.

Pero aprovechando que la serie se termina, regresaremos al pasado, para echar un vistazo al global de la saga y, especialmente a las dos primeras entregas que son, con gran diferencias, las mejores y más interesantes.

Título original: Saw (2004)
Director: James Wan
Guionistas: Leigh Whannell, basado en la historia de James Wan y Leigh Whannell
Montaje: Kevin Greutert
Director de fotografia: David A. Armstrong
Música: Charlie Clouser
Intérpretes: Cary Elwes, Leigh Whannell, Danny Glover
imdb

Saw revolucionó en su momento el género del thriller terrorífico o de psicópata. En 1995 David Fincher ya había impactado al mundo con su Seven, donde por primera vez teníamos un psicópata, no sólo frío y despiadado, sinó planificador, meticuloso; y con una motivación "justiciera" en el sentido religioso de la palabra.

Saw es la evolución mecanicista de John Doe, con una diferencia, Jigsaw da una "oportunidad" a sus víctimas, algo que las entregas han ido perdiendo progresivamente, y que suponía uno de los puntos más interesantes de Jigsaw y tal vez el único que le diferenciaba de los muchos otros psicópatas que llenan las pantallas.

La primera entrega de Saw era brutal pero sorprendente.

Título original: Saw II(2005)
Director: Darren Lynn Bousman
Guionistas: Leigh Whannell, Darren Lynn Bousman
Montaje: Kevin Greutert
Director de fotografia: David A. Armstrong
Música: Charlie Clouser
Intérpretes: Tobin Bell, Shawnee Smith, Donnie Wahlberg
imdb

Saw II consiguió el principal objetivo de toda secuela: conservar el espíritu original pero retorciéndolo para mantener el interés.

Ya no se trataba de pruebas individuales o de parejas sinó de un grupo encerrado en una casa, enfrentados a pruebas que deben superar colectivamente. Este planteamiento hacía de esta entrega la menos gore de todas, pero probablemente la más lograda, tras la primera. Como ejemplo tenemos la prueba de las jerínguillas, durísima, y sin recurrir a la sangre o a las entrañas.

A partir de ahí la serie se va desinflando. Casi todas las entregas posteriores nos muestran a un "elegido" que debe superar pruebas para salvar a conocidos y/o amigos u otros. Los discípulos de Jigsaw se suceden, sin conseguir que ninguno herede realmente su testigo.

The Troll Hunter (Trolljegeren) (2010)

2011-02-17T01:14:00.000-08:00

Título original: Trolljegeren

Director: André Øvredal

Guionistas: André Øvredal

Montaje: Per-Erik Eriksen

Director de fotografia: Hallvard Bræin

Intérpretes: Otto Jespersen, Hans Morten Hansen, Tomas Alf Larsen

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El cine noruego era uno de los grandes desconocidos a nivel europeo, pero últimamente nos están llegando bastantes películas de género fantástico y terror desde este país: la popular y recomendable Cold Prey (Fritt Vilt) y su continuacion, Rodvyr, Dead Snow (Død snø), Hidden (Skjult), etc. son algunos de los títulos que han tenido relativa difusión.

En otro orden de cosas, a nivel mundial, hemos vivido un esplendor de los falsos documentales (mockumentaries), con títulos tan conocidos como [REC], Cloverfield (Monstruoso), Paranormal Activity, etc. Por ello no resulta tan sorprendente que en muchas cinematografías hayan adaptado este género a sus propias códigos fílmicos.

Pero tal vez lo más interesante de este "Trolljegeren", es su idea de partida: los trolls existen. Recordemos que, según Wikipedia, un troll es un "temible miembro de una mítica raza antropomorfa del folclore escandinavo. Su papel en los mitos cambia desde gigantes diabólicos —similares a los ogros de los cuentos de hadas ingleses— hasta taimados salvajes más parecidos a hombres que viven bajo tierra en colinas o montículos".

El argumento gira en torno al tópico grupo de estudiantes de periodismo/cinematografía que deciden realizar el reportaje que les habrá las puertas del mundo profesional. Para no desvelar nada del argumento diremos sólo que el grupo entra en contacto con un cazador de trolls (el del título) que les contará y mostrará los secretos de su trabajo.

Técnicamente la película tiene un nivel comparable a cualquier producción hollywoodiense. Especialmente agradecido es que, a pesar de tratarse de un falso documental, no se abuse de los movimientos de cámara mareantes (que tan erroneamente algunos confunden con verismo).

Cómo único pero podríamos mencionar tal vez un exceso de metraje, que no desmerece en absoluto la obra final.

El jardinero fiel (2005)

2011-01-23T14:57:00.000-08:00

Título original: The Constant Gardener
Director: Fernando Meirelles
Guionistas: Jeffrey Caine, basado en la novela de John le Carré.
Intérpretes: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston
Montaje: Claire Simpson
Director de fotografia: César Charlone
Música: Alberto Iglesias
imdb

Elegir a Fernando Meirelles, que se había dado a conocer con "Cidade de Deus" en 2002, para adaptar una novela de John Le Carre puede parecer arriesgado. Pero sin duda fue un gran acierto. "El jardinero fiel" es una gran pelcula, una de las pocas veces en que denuncia, drama, intriga e historia de amor se fusionan de forma perfecta.

Las interpretaciones son mayúsculas, destacando, obviamente, las de Ralph Fiennes y Rachel Weisz, secunadados por unos conjuto de actores perfectos en sus papeles.

También destacan la fotografía de César Charlone, que había trabajado con Meirelles en la mencionada "Cidade de Deus", y la música de Alberto Iglesias, compositor español, colaborador habitual de Almodovar y Medem.

Una película de absoluta actualidad, especialmente tras la revelación por parte de Wikileaks de las maniobras de Pfizer en Nigeria, y del escándalo desatado en Francia por culpa del medicamento Mediator. Así pues, lo que nos muestra "El jardinero fiel" resulta totalmente creible.

La elección de Miralles, como ya hemos comentado, se revela una jugada maestra. Resulta difícil imaginar qué director nortamericano (o europeo, si me apuran) habría sido capaz de retratar tan poéticamente la vida africana. Más allá de la intriga, de la historia de amor, de la denuncia, esas imágenes costumbristas se reivindican como una magnífica película en sí mismas.

En las montañas de la locura (2013)

2011-01-18T04:13:00.000-08:00

Título original: At the mountains of madness
Director: Guillermo del Toro
Guión: Matthew Robbins y Guillermo del Toro, basado en la novela homónima de H.P. Lovecraft
Interpretes: Ron Perlman
Productores: James Cameron y Susan Montford
Director de fotografía: Guillermo Navarro
imdb

Como todo buen aficionado al terror, he leido a H.P.Lovecraft; me atrevería a afirmar que he leido prácticamente toda su obra de ficción. De entre sus cuentos y novelas una de las que más me gustó (además de "La sombra sombre Innsmouth", por ejemplo) fue "En las montañas de la locura".

Así que me alegré al enterarme que Guillermo del Toro preparaba una adaptación cinematográfica de la obra de Lovecraft. Todo resulta prometedor salvo algunos comentarios en el sentido que Del Toro podria variar el final o el desarrollo.

La posesión de Emma Evans (2010)

2011-01-10T04:15:00.000-08:00

Titulo original: La posesión de Emma Evans
Director: Manuel Carballo
Guion: David Muñoz
Director de fotografía: Javier Salmones
Musica: Zacarías M. de la Riva
Interpretes: Sophie Vavasseur, Doug Bradley, Stephen Billington, Jo-Anne Stockham
imdb

Barcelona continúa siendo uno de los centros del terror europeo gracias a Filmax, y descubriendo nuevos talentos. Paralelamente al declive de la creatividad de la industria hollywoodiense, nuevas formas de aterrorizar nos llegaron a finales de los noventa desde Asia, y más tarde desde Barcelona y Francia.

El título original del proyecto era "Exorcismus", demasidado pretencioso, pero que la película conserva para los paises anglosajones. "La posesión de Emma Evans" es un título mucho más convencional pero también más adecuado. Pues lo interesante o novedoso de esta película es que intenta dar un enfoque realista o costumbrista al desarrollo de los hechos. Ello explica el uso recurrente de la cámara en mano, así como la textura de la fotografía. Casi podría decirse que se trata de un cruce de "Cuarto Milenio" con "Eastenders", aunque en el ambiente de las familias acomodadas de los "suburbios" que tanto gusta en las producciones Filmax ("Darkness", "El segundo nombre", etc.).

La película sigue a Emma Evans, adolescente británica cuyos padres obligan a estudiar en casa. Sus ansias de rebelarse, así como ciertos intereses provocaran que se desencadenen los hechos de los que seremos testigos. El tío de la joven, cura católico, con experiencia en estas lides, intentará ayudar a la joven.

Aunque se trate de forma superficial, se mencionan las diferencias existentes entre católicos y protestantes (anglicanos) en todo lo referente a las posesiones y cómo afrontarlas.

Una apuesta interesante por renovar un género en actual auge (está a punto de estrenarse "El rito", con Anthony Hopkins) pero que, con escasas excepciones, se limita a repetir los esquemas de "El exorcista". Por ejemplo, en las escenas de los exorcismos no se ha repetida la fórmula repetida mil veces desde los tiempos de "El exorcista" de la víctima de la posesión en su cama. En el aspecto reiterativo cabría preguntarse por qué todas las víctimas de posesiones son chicas adolescentes.

La trampa del mal (Devil) (2010)

2010-12-16T15:35:00.000-08:00

Titulo original: Devil

Director: John Erick Dowdle

Guion: Brian Nelson, basado en la idea de M. Night Shyamalan

Montaje: Elliot Greenberg

Director de fotografia: Tak Fujimoto

Musica: Fernando Velázquez

Interpretes: Chris Messina, Caroline Dhavernas, Bokeem Woodbine

imdb

Muchas veces las ideas aparentemente más simples son las más exitosas. Seguramente cuando M. Night Shyamalan concibió el argumento de "Devil" pensó que, aunque era una idea interesante, no era lo suficientemente buena para que la dirigiese personalmente. O tal vez considerase, simplemente, que otro podría encargarse mejor que él.

La idea es muy sencilla, el diablo encierra a cinco desconocidos en un ascensor; un argumento Hitchcockiano pasado por el tamiz de lo sobrenatural.

El guión aprovecha perfectamente todas las posibilidades del planteamiento; el terror y el thriller se mezclan perfectamente. El aspecto psicológico también está muy presente en el guión, especialmente en lo que respecta a las relaciones que se establecen entre los personajes encerrados en el ascensor, uno de los cuales oculta un gran secreto.

Especial mención merece la fotografía del film, que ayuda a introducirnos en ese mundo irreal generado alrededor del rascacielos donde tiene lugar la acción, así como a transmitir la tensión psicológica que se vive.

Una película muy recomendable, que demuestra que no hacen falta grandes pretensiones para realizar una gran película; el ejemplo perfecto de un entretenimiento de calidad.

Y una última consideración: el parecido entre "Devil" y "Jungla de cristal (Die Hard)"; debido seguramente a desarrollarse ambas en el espacio cerrado de un rascacielos. Pero también por el aprovechamiento que se hace de ese escenario, de los grandes espacios pero también de los rincones claustrofóbicos que esconden edificios que son ciudades en sí mismos.

Chatroom (2010)

2010-12-16T15:25:00.000-08:00

Título original: Chatroom

Director: Hideo Nakata

Guionista: Enda Walsh

Montaje: Masahiro Hirakubo

Director de fotografía: Benoît Delhomme

Música: Kenji Kawai

Intérpretes: Aaron Johnson, Imogen Poots, Matthew Beard

imdb

La actual era de internet en la que vivimos ha presentado nuevas dificultades y posibilidades, para los medios clásicos, tanto artísticos como de comunicación. ¿Cómo llevar a la pantalla lo que sucede en Internet? ¿Cómo llevar a la pantalla un chat de Internet?

Ya hablamos en su día de "La red social", y que representaba una de las primeras películas en contar la intra-historia de Internet (al menos, desde un punto de vista de masas). "Chatroom" supone un paso más adelante, la traslación al medio cinematográfico de un chat, y lo que se desarrolla en él.

El planteamiento de la película aprovecha perfectamente algunas de las posibilidades del cine, que también son las del teatro, pues no olvidemos que el guión se basa en una obra teatral de Enda Walsh, para "representar" la vida cibernética.

No explicaremos más, para que el espectador pueda descubrir por sí mismo como se lleva a cabo esta traslación.

El director es Hideo Nakata, responsable de la quintaesencial "Ringu" (1998) y de la también imprescindible "Dark Water" (2002). Si en las mencionadas "Ringu" o "Dark Water" se mostró como un director que se movía con gran habilidad en el formalismo cinematográfico, en "Chatroom" se muestra mucho más arriesgado; sin llegar a los límites (excesivos) de un Danny Boyle, utiliza recursos interesantes. Momentos como la entrada del viejo verde en el chat están resueltos de manera magistral.

Shakira. Palau Sant Jordi, 24 de noviembre de 2010. Barcelona

2010-11-25T01:20:00.000-08:00

Lleno absoluto en el Palau Sant Jordi para recibir a Shakira. Público de todas las edades para recibir a la artista.

La artista tiene un repertorio de exitos tan amplio que se permitió descartar la magnífica "Lo hecho está hecho", la rockera "Don't Bother", así como todos los singles de su album de debut "Pies descalzos", incluyendo ese cándido pero pegadizo "Estoy aquí".

Como aspecto negativo sólo se me ocurre hablar del sonido; por algún motivo, durante algunos momentos del concierto, la voz de la cantante colombiana se hace inaudible. No fue tan grave como en "Rock in Rio Madrid" pero aun así resulta sorprendente en un show de este nivel.

La entrega de Shakira es absoluta, un derroche físico admirable, que se transmite a los asistentes. Ciertamente al final del concierto todo el público (incluyendo los padres que se habían visto forzados a llevar a sus hijos/as al concierto) estaba en pie bailando.

Por algo Shakira es la artista más en forma del panorama actual.

Como dato curioso, resaltar la fluidez con la que la cantante colombiana hace uso de la lengua catalana, que no necesitó ninguna ayuda para presentar el concierto, así como introducir distintas canciones en este idioma.

Y también curiosa fue la cara de ignorancia de casi la totalidad del público cuando Sahkira y sus músicos versionaron "Nothing else matters", de Metallica.

Four Boxes (2009)

2010-11-15T13:53:00.000-08:00

Titulo original: Four Boxes

Director y guionista: Wyatt McDill.

Montaje: Brett Astor

Director de fotografia: Brian Lundy

Musica: Ken Brahmstedt

Interpretes: Justin Kirk, Terryn Westbrook, Sam Rosen

imdb

Four Boxes tiene en imdb una puntuacion de 4.4 (Noviembre de 2010). Hay algo de misteriosamente acertado en las puntuaciones de imdb; desde un punto de vista estadistico, podria decirse que la suma de errores tienden a compensarse. Pero es evidente que no siempre es asi; algunas peliculas tienen la extrana capacidad de generar disparidad de opiniones. Four Boxes mereceria una mayor puntuacion por su originalidad y por su riesgo, aunque ciertamente se resiente de algunas lagunas del guion y, sin duda, se percibe en exceso la limitacion presupuestaria.

Pero existen razones suficientes para visionar Four Boxes, aunque no se trate de una película perfecta. El argumento nos muestra a dos jóvenes que dedican sus fines de semana a desvalijar las casas de personas recien fallecidas. Así llegan a la casa de un hombre llamada Bill Zill.

Nada más llegar a la casa descubren que el habitante de esa casa era visitante de la web fourboxes.tv, donde aparentemente pueden visionar lo que sucede en un apartamento en algún lugar desconocido. Otros signos parecen indicar que algo misterioso sucedía en esa casa.

Aunque la película es sumamente irregular, su visionado depara detalles interesantes.

La otra hija (2009)

2010-10-27T06:25:00.000-07:00

Título original: The New Daughter

Director: Luís Berdejo

Guión: John Travis, John Connolly

Montaje: Tom Elkins, Robb Sullivan

Director de fotografía: Checco Varese

Música: Javier Navarrete

Intérpretes:Kevin Costner, Ibana Vaquero, Samantha Mathis

imdb

Película de terror clásico, sobre una familia que adquiere una casa aislada en un pueblo norteamericano (en la línea de "Cold Creek Manor") y con referencias a viejas creencias (como en "The Skeleton Key"). Un punto de partida nada original para una película que tampoco pretende serlo.

Pero en este caso lo importante es que el producto final resulta de lo más entretenido. Los tópicos del guión están administrados sabiamente y la película no resulta aburrida ni predecible como podría esperarse.

Especialmente sorprendente es que se trate del primer largometraje del español Luís Berdejo, que anteriormente había participado en el guión de ese neo-clásico del terror que es [REC].

Enterrado (Buried) (2010)

2010-10-18T09:08:00.000-07:00

Título original: Buried

Director: Rodrigo Cortés

Guión: Chris Sparling

Montaje: Rodrigo Cortés

Director de fotografía: Eduard Grau

Música: Víctor Reyes

Intérprete: Ryan Reynolds

imdb

Antes del estreno de Buried oí unas declaraciones de autor desconocido, según las cuales sólo Alfred Hitchcock sería capaz de dirigir una película que transcurriese integramente en un ataúd. Basta revisar "Naúfragos", rodada integramente en una barca, o "La soga", rodada integramente en un único escenario, para ratificar esta certeza.

Sirva esta reflexión para remarcar la más que evidente dificultad de rodar una película integramente en un ataúd. Pues bien, Rodrigo Cortés lo ha hecho. Y la verdad es que ha superado el reto con un aprobado alto, casi un notable; gracias, en gran parte, al habilidoso guión de Chris Sparling.

Rodrigo Cortés, que anteriormente sólo había dirigido un film ("Concursante", con Leonardo Sbaraglia, en 2007) logra mantener el interés del espectador en todo momento, a pesar de la limitación de recursos a la que obliga el reducido entorno en el que discurre la película.

Ya hemos mencionado el guión de Chris Spalding. Aunque con las trampas inevitables para poder convertir un planteamiento tan arriesgado en una pelicula viable. Tal vez el único defecto sea algún toque efectista hacia el final del metraje.

La red social (2010)

2010-10-16T03:24:00.000-07:00

Titulo original: The Social Network
Director: David Fincher
Guion: Aaron Sorkin, basado en el libro "Los millonarios accidentales" de Ben Mezrich.
Montaje: Kirk Baxter y Angus Wall
Director de fotografía: Jeff Cronenweth
Música: Trent Reznor y Atticus Ross
Intérpretes: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Armie Hammer, Justin Timberlake
imdb

A priori, contar la historia de la creación de Facebook y de cómo se convirtió en una de las páginas web más importantes del mundo, no parece el argumento para una pelicula trepidante. Y tal vez "La red social" no sea la película más trepidante del año, pero sin duda es una película brillante. El guión de Aaron Sorkin es excepcionalmente hábil para manejar y retratar las relaciones entre los distintos personajes, y organiza perfectamente los elementos con los que "juega". Y David Fincher nos demuestra nuevamente porque es uno de los directores mas interesantes del momento (obviando la fallida "Benjamin Button").

Por argumento y desarrollo recuerda en bastantes momentos a "The Pirates of Silicon Valley" pero con mayor presupuesto y, lo que es más importante, con mejor guión y dirección.

Probablemente el mayor handicap de esta película sea que sus espectadores potenciales se "limitan" a aquellos que utilizan Facebook y/o tienen un conocimiento básico del funcionamiento de Internet.

Una película imprescindible para los que deseen conocer los secretos y misterios de las "grandes" mentes de Internet, para aquellos que planeen crear un negocio, también para todos los que quieran disfrutar de una buena película; y especialmente para descubrir un nuevo género cinematografico, el cine sobre Internet.

JFK. Caso abierto (1991)

2010-09-02T06:29:00.000-07:00

Título original: JFK
Director: Oliver Stone
Guión: Oliver Stone & Zachary Sklar, basada en los libros "On the Trail of the Assassins", de Jim Garrison y "Crossfire: The Plot That Killed Kennedy", de Jim Marrs
Montaje: Joe Hutshing & Pietro Scalia
Director de fotografía: Robert Richardson
Música: John Williams
Intérpretes: Kevin Costner, Joe Pesci, Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Michael Rooker
imdb

JFK tiene diversos méritos que la convierten en una de las películas más interesantes de los años noventa. Pero ante todo, la mayor dificultad a la que se enfrentó Oliver Stone al realizar JFK (o el gran reto que le espoleó) fue convertir dos libros de investigación, que intentan demostrar que Lee Harvey Osvald no fue el asesino de John Fitzgerald Kennedy, en una película.

Y es que adaptar una novela en película puede resultar más o menos díficil, dependiendo de diversos factores como la estructura narrativa y, especialmente del estudio psicológico desarrollado por el escritor (lo que ha llevado a considerar a Fiodor Dostoyevskiy intrasladable con fidelidad al cine). Pero trasladar al cine, no uno, sinó dos libros de investigación cuyo principal contenido es la enumeración de pruebas que pretenden demostrar que Oswald no fue el asesino de JFK se antoja una tarea titánica.

¿Cómo se convierte un libro así en una narración cinematográfica? Stone opta por centrarse en una sola figura, lo que se convierte en el mayor acierto del guión. A partir de ahí se trata de articular toda la información que se prentende transmitir alrededor del personaje elegido. ¿Y qué mejor que convertir este personaje en un héroe americano dándole las facciones de Kevin Costner? Este personaje es el fiscal Jim Garrison, el promotor del único juicio que ha tenido lugar sobre el asesinato del presidente americano.

Pero no basta con un buen guión para llevar a la gran pantalla una historia tan compleja como la conspiración que presuntamente acabó con JFK. Todos los demás aspectos técnicos y artísticos de la película son soberbios.

Pero si algo sobresale por encima de los demás aspectos técnicos y artísticos es el montaje; ganador de uno de los (pocos) Oscars más merecidos. Porque el montaje de JFK es simplemente excepcional; es parte fundamental de que el gran collage ideado por Stone tenga un sentido. Ese prólogo inicial ejemplifica perfectamente la maestría del montaje. La escena en el cruce entre Lafayette Street y Camp Street en Nueva Orleans, en la que Garrison convence a sus ayudantes de la conveniencia de investigar el caso, es, en este aspecto, muy representativa, y demuestra el talento de Oliver Stone.

También la música y la fotografía son magistrales, contribuyendo a dotar a JFK del aura de cine clásico.

Recordemos que Stone, quien desde Nixon (1995) no realiza nada interesante, fue uno de los directores más importantes en mediados de los ochenta (Salvador-Platoon-Wall Street-Nacido el 4 de julio) e, incluso más importante, como guionista a principios de los ochenta (Conan el bárbaro, Scarface -El precio del poder-, Year of the Dragon -Manhattan Sur-).

Como se ha repetido recurrentemente, lo más flojo de la película son las escenas familiares. Se percibe que Oliver Stone las considera necesarias para retratar la obsesión de su héroe, pero que en realidad no le interesan en absoluto, y se resienten de ello, resultando algunas incluso poco creibles (como cuando Garrison se despierta en medio de la noche hablando del caso a su mujer).

Mención especial merece el elenco de actores que dan vida a los distintos personajes que participan en esta gran trama: Kevin Costner como Jim Garrison, Sissy Spacek como su esposa, Gary Oldman como Lee Harvey Oswald, Tommy Lee Jones como Clay Shaw, Joe Pesci como David Ferrie, Donald Sutherland, Kevin Bacon, John Candy, Sally Kirkland, Michael Rooker, Laurie Metcalf, Wayne Knight y las apariciones de Jack Lemmon y Walter Matthau, conforman uno de los planteles más interesantes desde la época dorada del cine de catástrofes.

Avatar (2009)

2010-08-31T08:06:00.000-07:00

Título original: Avatar
Director: James Cameron
Guión: James Cameron
Fotografía: Mauro Fiore
Música: James Horner
Montaje: James Cameron, John Refoua, Stephen E. Rivkin
Intérpretes: Sam Worthington, Sigourney Weaver, Zoe Saldana
imdb

Aunque con (gran) retraso vamos a hablar de la película más cara pero también la más taquillera de la historia del séptimo arte.

Seguramente la gran pregunta que se plantea cuando una película bate el record de recaudación es si lo merece. Así pues, ¿merece Avatar ser la película más taquillera de todos los tiempos? Y la respuesta es, en opinión de quien esto escribe, no.

Pero lo que más me llamó la atención viendo Avatar fue su sorprendente parecido con “La Princesa Mononoke”, la obra maestra de Hayao Miyazaki. No había oído comentar estas similitudes, y eso hizo que me sorprendiesen más. Posteriormente, buscando en los foros, he descubierto que, evidentemente no era el.

Imaginen un lugar con una naturaleza exuberante, a dónde llegan los humanos para extraer un mineral. Allí empiezan a desarrollarse y expandirse, destruyendo el medio ambiente original. A ese lugar llega un joven, con una enfermedad la cura de la cual espera hallar allí. Al llegar conoce a una chica (salvaje) que lucha contra la invasión humana y de la que se enamora, a pesar de que ella al principio duda de él. Al final, los humanos intentarán acabar con el espíritu de la naturaleza y, de este modo, con la resistencia.

¿Les parece un buen resumen del argumento de “Avatar”? Pues sirve perfectamente también para “La Princesa Mononoke”. Pero es que además también hay algunos elementos extraidos de otras películas de Miyazaki, por ejemplo de “El castillo en el cielo (Laputa)” y “Nausicaa”.

Dejando de lado estas similitudes, es innegable que James Cameron posee un talento natural para el espectáculo como demostró en las magnificas “Aliens” y en las dos primeras entregas de “Terminator”. El problema viene cuando se pone trascendente, y “Avatar” se resiente demasiado de ello. Para empezar la película es excesivamente larga.

En algunos tramos recuerda a “La amenaza fantasma”; porque da la impresión que, como en aquella, los actores se han perdido en tanto “croma”. Como en la obra de Lucas, los fascinantes escenarios creados por ordenador parecen absorberlo todo, y no dejar lugar para el dramatismo real ni el sentimiento.

Seguramente la música que Joe Hisaishi compuso para “La princesa Mononoke” le habría dado a “Avatar” un poco de la emoción de la que carece. Seguramente también el exceso de planificación que Cameron aplica a sus proyectos tampoco haya ayudado a darle emoción, sinó al contrario. Le sucede algo parecido a “Abyss” la obra más ignorada de Cameron, cuyo mensaje quedaba diluido en un océano de efectos especiales.

La ciencia ficción es un género que brinda grandísimas oportunidades a los “creadores de ilusiones” para hablar de temas delicados de una forma innovadora (basta tomar el ejemplo de la excelente “Gattaca” para ver cómo se puede realizar ciencia ficción profunda sin caer en el efectismo sentimentaloide). Es lo que intenta "Avatar"; convertirse en fábula ecologista para el nuevo milenio, pero en este caso no puede haber peor error que ser incapaz de emocionar.

Los sobornados (The Big Heat) (1953)

2010-08-22T06:47:00.000-07:00

Título original: The Big Heat

Director: Fritz Lang

Guión: Sydney Boehm, basado en el serial de William P. McGivern

Director de fotografía: Charles Lang

Montaje: Charles Nelson

Música: Henry Vars

Intérpretes: Glenn Ford, Gloria Grahame, Lee Marvin, Jocelyn Brando

imdb

Ante todo una aclaración necesaria: Fritz Lang es, en mi opinión, el más grande director que vió el siglo XX, que es como decir de la historia del séptimo arte. Permítanme que justifique tan contundente afirmación. Fritz Lang es tal vez el único director que ha realizado obras maestras en la época del cine mudo (Dr.Mabuse, Los Nibelungos, Metropolis), en la época del blanco y negro (demasiadas para citar alguna), y en la época del color (Moonfleet); y en dos paises distintos (Alemania y EEUU).

Además, es el auténtico maestro del cine negro; no sólo "Los sobornados", sinó también "La mujer del cuadro", "Perversidad", "Deseos humanos", etc. lo demuestran. Cuando Fritz Lang fusiona el cine negro tradicional con el expresionismo alemán, surge un nuevo tipo de cine negro, mucho más oscuro pero también más maduro, indudablemente más trágico, y también más violento.

¿Y que decir de "Los sobornados"? Simplemente la obra cumbre del género. Un estudio sobre la venganza imitado hasta la saciedad con resultados siempre inferiores (y en ocasiones pésimos como en "Revenge").

Es ante todo una película violenta, especialmente teniendo en cuenta que fue realizada bajo el Código Hays (que duraría hasta 1968). Evidentemente no es la violencia a la que estamos acostumbrados actualmente, sinó una mucho más oculta pero que afecta a todos los personajes.

Pero aun así, hay lugar para los sentimientos, con esa relación de cariño y de solidaridad que se establece entre los personajes de Glenn Ford y Gloria Grahame, porque a ambos les ha arrebatado algo el personaje interpretado por Lee Marvin.

Fritz Lang logra como nadie retratar las motivaciones de sus personajes. No hay personajes crípticos, ni tipos que aparecen en pantalla sin saber dónde van, sólo personajes movidos por sus intereses y por lo que creen que deben hacer.

Las interpretaciones son magistrales, destacando Lee Marvin y, especialmente, Gloria Grahame, cuya imagen con la jarra de café figura en todas las antologías del género.

Y la dirección de Fritz Lang es simplemente perfecta. Una película por la cual el tiempo no ha pasado.

Una obra maestra que no ha logrado el reconocimiento que merece, y que no ha sido mitificada como otros títulos de la época, pero que es necesario (re)descubrir si se pretende hablar de cine negro.

Jennifer's Body (2009)

2010-08-13T00:04:00.000-07:00

Título original: Jennifer's Body

Director: Karyn Kusama

Guión: Diablo Cody

Director de fotografía: M. David Mullen

Montaje: Plummy Tucker

Música: Stephen Barton y Theodore Shapiro

Interprétes: Amanda Seyfried, Megan Fox, Johnny Simmons

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¿Megan Fox convertida en devoradora de hombres? Este es el original planteamiento de esta película. Se coge a la estrella más "hot" del momento y la convertimos en asesina de adolescentes con hormonas alteradas y, de paso, seguimos propagando el tópico del terror según el cual sexo=muerte.

La premisa argumental, un poco más desarrollada es la siguiente: una banda de música que pretensiones de triunfar en el mercado indie, deciden buscarse un aliado influyente: el diablo. Para ello, realizan un ritual (no daremos más detalles) que termina con Jennifer (Megan Fox) convertida en una asesina de hombres.

La película tiene influencias clarísimas de "Teeth", de Mitchell Lichtenstein, no sólo en el argumento, sinó incluso algunos de las escenas parecen clónicos de aquella, si bien el tono de "Jennifer's Body" es mucho menos ácido que el de aquella.

Tal vez el mayor mérito de esta película sea presentarnos a una pareja de adolescentes que no resulten repugnantes para el espectador. Intento recordar personajes de películas de terror teenager que no deseasemos que cayesen en las manos del psicópata de turno, y realmente resulta difícil recordar uno.

Debe decirse que "Jennifer's Body" resulta un artefacto entretenido, que se deja ver, y no sólo por la presencia de Fox. Algunos toques desmitificadores de la comedia adolescente, "high school" como dirían en la película, consiguen hacernos pasar el metraje volando.

Festival de Teatro Clásico de Mérida: Lisistrata, adaptación de Jérôme Savary

2010-07-30T04:15:00.001-07:00

Dirección: Jérôme Savary

Versión: Jérôme Savary y Joaquín Oristrell

Traducción: Joaquín Oristrell

Vestuario y espacio escénico: Elisa Sanz

Coreografías y movimientos: Alberto Arcos

Productora delegada: Mercedes Pascual (Anexa)

Intérpretes: Paco León, Eleazar Ortiz, Carla Antonelli, Richard Collins Moore

información

Seguramente el principal defecto de esta adaptación de Lisistrata de Aristofanes sea su incompatibilidad con el festival donde se representa, es decir el Festival de Teatro Clásico de Mérida [Festival de Mérida].

Todos sabemos que el Teatro Clasíco no es lo que más público atrae, y que en ocasiones es necesario "actualizarlo". Pero también es evidente que se trata de una tarea compleja, que conlleva riesgos artísticos.

Según declaraciones a la prensa el director pretendía "llevar la comedia griega al público sin caer en el lenguaje soez y la actuación vulgar «que se ha visto en varias producciones», recalca el francés", del Diario Hoy. En este sentido se puede decir que el director ha fracasado completamente pues, escenas como la de un actor enano con un pene gigante de espuma cantando en italiano no parecen el colmo de la finura.

Pero si valoramos la calidad de la obra en función de su aceptación y de la respuesta del público, se puede decir que fue un exito absoluto. Incluso logró levantar a la mayor parte del público de su asiento para la ovación final.

El diseño de la escenografía es prácticamente nulo, limitándose a algunos carteles y banderas arco iris. Las interepretaciones son voluntariamente histriónicas.

La obra resulta al final una mezcla entre la "Lisistrata" de Aristofanes, "Las aventuras de Priscilla, Reina del desierto" y una comedia española de ciudad dormitorio como "Días de fútbol". Una mezcla que podría resultar indigesta, pero que, como constató quien esto escribe, consigue hacer reir al público a carcajadas.

El secreto de sus ojos (2009)

2010-06-28T08:24:00.000-07:00

Título original: El secreto de sus ojos
Director: Juan José Campanella
Guión: Juan José Campanella y Eduardo Sacheri, sobre la novela
de este último "La pregunta de sus ojos"
Director de fotografía: Félix Monti
Montaje: Juan José Campanella
Música: Federico Jusid y Emilio Kauderer
Interprétes: Ricardo Darín, Soledad Villamil, Guillermo Francella, Javier Godino, Pablo Rago
imdb

El cine policíaco es uno de los pocos géneros que nos reconforta últimamente. Interesantes muestras en los últimos años como "La ragazza del lago" (2007) (Italia), "In the electric mist" (2009) (USA/Francia) o "A little trip to heaven" (USA/Islandia) demuestran que es de los pocos géneros que sigue vivo.

Desde Argentina nos han llegado numerosas muestras de este género, con Ricardo Darín tenemos "Nueve reinas" y "El aura". "El secreto de sus ojos" supera a estas por su profundidad dramática. Y aunque algunas soluciones argumentales resulten bastante efectistas, "El secreto de sus ojos" se muestra como una película que te mantiene atrapado.

Magníficas interpretaciones para un guión que combina perfectamente la parte policíaca con los fragmentos sentimentales. Personajes genialmente perfilados, con ecos de "Lo que queda del día (The Remains of the Day)" (1993).

Una película muy recomendable que no defraudará a los apasionados del cine policiaco.

Sin que sirva de precedente voy a transcribir a continuación un fragmento del guión de la película sobre el que cualquier palabra sería poco:

INT. BAR DEL BAJO- DIA
Sandoval está allí, en una mesa grande, con todas las cartas de Gómez desplegadas. Espósito entra hecho una furia y se le acerca.
ESPOSITO: Ya no sólo te rajás para mamarte, también te robás las pruebas.
Sandoval lo estudia. En toda la escena, pendula entre el ademán un poco turbio del alcohol y una serena seguridad.
SANDOVAL: Tranquilo, Benja. Todo bajo control.
ESPOSITO: (mientras le saca las cartas) Mirá si Irene llegaba a querer ver el expedien…
SANDOVAL: (le pega un chirlo en la mano) ¡Suelte, carajo!
ESPOSITO: ¡Dejate de joder y vamos!
SANDOVAL: ¿Sabés por qué tardamos tanto, Benjamin? Porque somos dos boludos. Bueno, en realidad vos sos más boludo que yo. Porque como no te gusta el whisky, no venís a lugares como este, y te perdés la amistad de estos…(ve a los borrachos y se ríe solo) Mirá. (lee de su bloc de notas) 12 cartas, 31 folios, 6 nombres propios, 5 trab…. Esto ya te lo leí.
ESPOSITO: Vámonos, boludo.
SANDOVAL: Sabés que yo venía pensando qué cosa este tipo, que no haya nada, que se nos haya hecho humo así. Y se me ocurrió pensar en los tipos, pero en todos los tipos, no sé si me entendés. No en este tipo. En todos los…
ESPOSITO: Los tipos. Sí, dale.
SANDOVAL: En “EL” tipo. El tipo puede hacer cualquier cosa para ser distinto. Pero hay una cosa que no puede cambiar. Ni vos, ni yo. Nadie. Mirame a mi: tengo un buen trabajo, una mina que me quiere, todavía soy joven y como vos decís me arruino la vida en tugurios
como este… Vos mismo me lo preguntaste. ¿Por qué lo hacés? (lo mira fijo) Porque me apasiona. Venir acá, ponerme en pedo y cagarme a trompadas si me hinchan las pelotas. Me gusta. (apura el vaso) Y vos lo mismo, Benja, lo mismo. Oíme, Irene está más casada que la vieja de los Campanelli, tiene treinta y siete revistas de trajes de novia en el escritorio, se comprometió con fiesta y todo… Y vos seguís esperando un milagro. ¿Por qué? (Hace una pasua. Espósito lo mira curioso: algo hay. Sandoval se para y va hacia el borracho 2) Vení. (Espósito lo sigue) Te presento al Escribano Andretta. Atenti, escribano en serio. Es mi asesor técnico.
ESCRIBANO: Le doy mi tarjeta.
(trata de sacar una tarjeta, pero no puede)
SANDOVAL: Primera carta de nuestro amigo Gómez. (lee) “Te juro que con lo que llovió quedé peor que Oleniak la vez aquella”

(mirada al escribano)
ESCRIBANO: Juan Carlos Oleniak. Debuta en Racing en el 60, pasa a Argentinos en el 62 y vuelve en el 63. Un número 9 un poco torpe. En un clásico con San Lorenzo le metieron un empujón y lo tiraron al foso. Salió empapado, Pasó a Chile y se retiró en San Martín de Mendoza.
SANDOVAL: Al Escribano le dicen Platóm porque vive de la Academia.
Sandoval lo mira a Espósito como si acabase de demostrar un teorema. Después echa mano a otra carta.
SANDOVAL: “Ya te voy a traer, vieja. Y vamos a hacer flor de yunta. No es lo mismo Anido que Anido con Mesías”.
ESCRIBANO: Anido y Mesías. Backs del Racing Campeón del ‘61. Negri al arco. Anido y Mesías. Blanco, Peano y Sacchi. Corbatta, Pizzuti, Mansilla, Sosa y Belén.
SANDOVAL: “Quedate tranquila vieja, en eso soy como Manfredini y no como Bavastro”. Escribano…
ESCRIBANO: (entrecierra los ojos para rememorar) Pedro Waldemar Manfredini. Comprado por dos pesos a los mendocinos en 1958, se convirtió en uno de los delanteros más apreciados
de su tiempo. Julio Bavastro, puntero derecho en el 62 y 63, jugo dos partidos si entrar en el score.
SANDOVAL: Cito: “Yo no quiero terminar como Sánchez”.
ESCRIBANO: Seguro se refiere al guardameta Ataulfo Sánchez. Eterno suplente del gran Negri, apenas jugo 17 partidos entre el 57 y el 61.
SANDOVAL: Escribano, ¿para usted Racing qué es?
ESCRIBANO: Una pasión, querido.
SANDOVAL: ¿Por más que haga cinco años que no sale campeón?
ESCRIBANO: Una pasión es una pasión.
SANDOVAL: Aunque puedan pasar otros cinco años…
ESCRIBANO: (se ríe) Dejá de chupar, boludo.
Sandoval mira a Espósito con suficiencia, vaso en mano, y se va acercando a él.
SANDOVAL: ¿Entendés, Benjamín? El tipo puede cambiar de todo. Puede cambiar de cara, de casa, documento, de trabajo, de vida, de amigos, de familia. Pero hay una cosa que el tipo no puede cambiar… No puede cambiar de pasión.

Legion (2010)

2010-06-12T03:28:00.000-07:00

Título original: Legion

Director: Scott Stewart

Guión: Peter Schink, Scott Stewart

Director de fotografía: John Lindley

Montaje: Steven Kemper

Música: John Frizzell

Intérpretes: Paul Bettany, Lucas Black, Tyrese Gibson, Adrianne Palicki

imdb

"Legion" es una película sorprendente. Y no por su originalidad, sinó por el hecho de tratarse de una película muy entretenida.

De hecho el argumento es una excusa para presentar a un grupo de personas encerradas en un lugar cerrado y enfrentadas a un enemigo exterior ampliamente superior. Sí, exactamente el argumento de "Asalto a la comisaría 13 (Assault on Precinct 13)" de John Carpenter, por poner un ejemplo cuyas influencias se sienten claramente.

Pero a diferencia de otras imitaciones, "Legion" consigue mantenernos en el sillón sin mirar el reloj.

Los personajes consiguen captar nuestra simpatía, a pesar de que sus perfiles son un tanto arquetípicos; de todos modos parece más difícil cada vez para los guionistas actuales crear caracteres que no deseemos que sean atrapados por los "malvados" en la primera escena.

Es cierto que la parte argumental referente a los ángeles es un tanto confusa y al final actúa en perjuicio del ritmo del film. Pero a pesar de ello, el resto funciona perfectamente como western moderno sin pretensiones.

Una película recomendable para quien quiera pasar un buen rato en el sala de cine.

Como curiosidad la escena final de claro homenaje a "Terminator", de James Cameron.

Las críticas las carga el Diablo

2010-05-26T09:26:00.000-07:00

Recojo aquí la crítica que Maruja Torres hizo para Cinemanía en Agosto de 1999 (número 47) de "La amenaza fantasma".

Situada en la primera posición entre las peores secuelas jamás realizadas por Enterntainment Weekly, "La amenaza fantasma" no sólo es decepcionante en comparación con sus predecesoras, es además una pésima película. El guión es ridículo, lento y aburrido, y los personajes totalmente carentes de emotividad. Los efectos especiales, que tanto impresionaron en su momento son, en mi opinión, tal vez el peor problema de la película. A diferencia de los efectos, mayoritariamente tradicionales, usados en las películas originales, aquí todo esta generado por ordenador. Imaginen ustedes la dificultad para los actores de trabajar con un guión endeble todo el tiempo ante un croma.

"Una habitación con bestias.

MARUJA TORRES

'La amenaza fantasma' es una película entretenidísima que en absoluto justifica la pose displicente con que algunos adultos enteradillos toman asiento en la sala.

El chiste más inteligente, aunque posiblemente involuntario, de La amenaza fantasma, se encuentra en la leyenda explicativa que aparece al principio: considerando que nos habla de un imperio del mal y que la película pertenece a la Fox, una de las muchas posesiones del tentacular y nada angélico magnate mediático Rupert Murdoch. Dicho esto, lo que yo no me explico son las crítícas negativas que el nuevo producto galáctico de George Lucas ha recibido en su propio país. Pues La amenaza fantasma no es ni mejor ni peor que cualquiera de las entregas de la trilogía precedente (y posterior en el tiempo, como sabemos), salvo que pretendamos ponernos pejigueros y llorar porque ya no pueden aparecer los míticos actores que dieron vida a los personajes que ahora sabemos aún no nacidos.

Es ésta una película entretenidísima que en absoluto justifica la pose displicente con que algunos adultos enteradillos toman asiento en la sala, la ceja escèptica bien alta, dispuestos a dictaminar rápidamente que a ellos no se la dan con queso. Tan idiota me parece esta actitud como la de entregarse a la saga mitificando hasta los dobladillos del traje que luce la princesa. Pero hay que decir, para empezar, que La amenaza fantasma posee un mérito notable: que la acción no decaiga a pesar de que uno de los platos fuertes, la carrera que rinde homenaje a Ben-Hur, se nos sirve en momento muy temprano de la proyección.

Dicen los entendidos, esos que babean ante cualquier parida que les recuerda que cualquier cine pasado fue mejor (y lo fue: en géneros que ya no tienen los genios que merecen; no es éste el caso), que en el filme no hay magia entre los humanos, y que falta romance. Vale: me parece que, en esta entrega, los humanos están demasiado ocupados como para ponerse a hacer virguerías sentimentales. Y, además, ocurre que lo que se nos ofrece es un primer episodio en el que se sientan las bases de lo que puede ocurrir en los dos más que le seguirán. Personalmente, espero que el niño que en el futuro será el señor Vader crezca pronto (mis amigos gays también lo esperan), lo suficiente como para que su diferencia de edad con Natalie Portman resulte menos evidente y puedan embarcarse en espacial y especial romance.

La amenaza fantasma es, sobre todo, una película de bestias y robots, y hay en el guión un fabuloso talento para interrelacionarlos y darles a todos su propio lugar en una historia coral y multiplanetaria que se desarrolla arriba y abajo, en el aire y en el agua y en cualquier elemento. Seré infantil, pero el bicho de andares de rapero, pantalones de campana y lengua literalmente más larga que la de una cotilla de Hollywood (incluso la de quien esto firma) me hace mucha gracia. Y sucede lo mismo con los impresentables Gun-gan y su grosero soberano (aunque conozco a gente en la vida real que suelta más lapos que él), aparte del encanto que supone encontrarse de nuevo con Yoda, que tanto nos recuerda a Jordi Pujol pero sin tics.

Las batallas son estupendas (el enfrentamiento entre los malos y los golfos Gungan recuerda a Espartaco), y el diseño de ambientes da mucho de sí. En el lugar donde vive Anakin Skywalker con su mamá disfrutan de una arquitectura que recuerda la Costa Esmeralda o Puerto Banús, y tienen puertas en las casas que podría haber diseñado Gaudí. Algunas escenas del final, cuando entran en palacio para trincar al virrey, parecen rodadas en el Pueblo Español de Barcelona, y la ciudad donde reina la princesa es un mixto entre Venecia, Calcuta y un buen cementerio de ricachos. La ciudad submarina es también un hallazgo, sobre todo para quienes siempre quisimos vivir en el fondo del mar sin saber bucear más abajo de dos metros.

AGOSTO 1999 CINEMANÍA nº47"

PS: Especial atención al comentario: "Personalmente, espero que el niño que en el futuro será el señor Vader crezca pronto (mis amigos gays también lo esperan), lo suficiente como para que su diferencia de edad con Natalie Portman resulte menos evidente y puedan embarcarse en espacial y especial romance."

Hacia rutas salvajes (2007)

2010-03-23T10:36:00.000-07:00

Título original: Into the Wild

Director: Sean Penn

Guión: Sean Penn, basado en el libro de Jon Krakauer

Fotografía: Eric Gautier

Montaje: Jay Cassidy

Música: Michael Brook, Kaki King, Eddie Vedder

Intérpretes: Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Jena Malone, Kristen Stewart

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Hay películas técnicamente perfectas que nos dejan indiferentes; otras con pequeñas imperfecciones consiguen emocionarnos. También hay películas que nos emocionan durante su visionado pero que olvidamos con relativa rapidez; y otras cuyas imágenes permanecen en nuestra memoria durante días.

"Hacia rutas salvajes" pertenece a la categoria de películas imperfectas que logran emocionarnos; y, lo que tiene más mérito, permanecer en nuestra memoria.

La historia, como la mayoría ya conocerán está basada en hechos reales. La historia de Christopher McCandless, un joven universitario norteamericano, que decide irse sólo a Alaska, para probarse a sí mismo que es capaz de vivir en la naturaleza salvaje.

La película se construye mostrando paralelamente la vida cotidiana de McCandless en Alaska, y su viaje desde su hogar en Virginia hasta allí.

Los paralelismos con otras obras son evidentes: el viaje cruzando Estados Unidos y los diferentes encuentros del protagonista nos retrotraen a "Una historia verdadera" (1999), de David Lynch. La confrontacion entre la personalidad del protagonista y las diferentes personas que se va encontrando se convierten en diferentes pasos en su camino a Alaska.

El viaje tambien tiene mucho de las dos primeras obras de Terence Malick, "Malas tierras" y "Días de cielo"; especialmente el periodo que el protagonista pasa trabajando en una plantacion de cereales.

Y evidentemente hay mucho tambien de "Las aventuras de Jeremiah Johnson", de Sydney Pollack, en el retrato de la naturaleza, y de la relacion del ser humano con la naturaleza que lo envuelve.

Pero más allá de cuáles son las obras que inspiraron a Sean Penn, es evidente que se siente fascinado por la historia de McCandless pero también lo utiliza para hacer un bellísimo canto a la naturaleza.

La película consigue emocionar: la fotografia de Eric Gautier y la música de Michael Brook juegan un importante papel, así como las canciones de Eddie Vedder; quien no se mostraba con tanta fuerza desde la época de la aparición del disco "Ten" de Pearl Jam.

Sean Penn se había puesto en tres ocasiones anteriormente detrás de la cámara. Dieciseis años después de "Extraño vínculo de sangre" su interesante debut, Penn parece haber logrado una cierta madurez como director, pero conservando un punto de experimientación, algo que algunos seguramente echan de menos en su faceta de actor.

Una película imperfecta sí, pero inolvidable. Resulta difícil imaginar una mejor plasmación de esta historia.

En tierra hostil (2008)

2010-03-01T11:04:00.000-08:00

Título original: The Hurt Locker

Directora: Kathryn Bigelow

Guión: Mark Boal

Director de fotografía: Barry Ackroyd

Música: Marco Beltrami & Buck Sanders

Intérpretes: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty

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En la edición de los Oscar de este año, se plantea un duelo interesante entre James Cameron y su "Avatar" y Kathryn Bigelow y su "En tierra hostil", que estuvieron casados entre 1989 y 1991. En aquella época ambos eran directores de moda del cine de acción; Cameron había realizado "Termianator" (1984), "Aliens" (1986), "Abyss" (1989) y preparaba "Terminator 2" (1991); y Bigelow acababa de realizar "Acero azul" (1989) y preparaba "Le llaman Bodhi" (1991). En 1995 Bigelow rodaría "Días extraños" sobre un argumento de Cameron. Pero mientras el primero iba a decantarse por un cine multimillonario y comercial, Bigelow seguiría en el género de acción.

Desde sus inicios Kathryn Bigelow demostró tener un pulso firme para el cine de acción, y un don innato para la creación de ambientes (seguramente relacionado con sus inicios en el arte como pintora). Además, su fuerte son las tramas con altos niveles de testosterona (recordemos "Le llaman Bodhi", con Keanu Reeves y Patrick Swayze).

Por todo ello, era cuestión de tiempo que se aventurará en la dirección de una película de acción. Y realmente su trabajo es excelente. La estética de la guerra de Irak le va como anillo al dedo a Bigelow para situar a sus personajes al límite.

Estéticamente la película recuerda a otras obras de lo que podríamos llamar "nuevo cine bélico americano"; "Black Hawk derribado" o "Tres reyes". Pero "En tierra hostil" es argumentalmente muchísimo más sólida que la obra de Ridley Scott ambientada en Somalia, y mucho más dramática que la película protagonizada por George Clooney y Mark Wahlberg.

Es difícil saber quién se llevará el gato al agua en la noche de los Oscar (y, poco nos importa, la verdad) pero sin duda Bigelow ha demostrado que no sólo es una directora con un mano férrea para el cine de acción o la creación de ambientes, sino también para la narración de historias límite.

El intercambio (2008)

2010-02-19T06:58:00.000-08:00

Título original: Changeling

Director: Clint Eastwood

Guión: J. Michael Straczynski

Director de fotografía: Tom Stern

Música: Clint Eastwood

Intérpretes: Angelina Jolie, John Malkovich, Michael Kelly

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Película de Clint Eastwood anterior a "Gran Torino" e "Invictus". Una película menos ambiciosa que estas, pero nada desdeñable.

Basada en la historia real de Christine Collins, cuyo hijo desaparece sin dejar rastro. Tras dos meses la policía le anuncia que han encontrado a su hijo. Cuál es su sorpresa cuando descubre que el niño que le presentan no es su hijo.

Angelina Jolie defiende con competencia su papel de madre sufridora, acompañada por un excepcional John Malkovich, como Reverendo Briegleb, y Geoff Pierson como su abogado. Especial mención para el personaje del jefe de Christine Collins.

Una película recomendable. Evidentemente, al tratarse de una película de Clint Eastwood, cualquier parecido con un telefilme de sobremesa es remoto. Seguramente lo mejor, sea el retrato de la sociedad de la época y de la corrupción reinante.

Vertige (2009)

2010-02-18T23:45:00.000-08:00

Título original: Vertige

Director: Abel Ferry

Guión: Johanne Bernard, Louis-Paul Desanges

Director de fotografía: Nicolas Massart

Música: Jean-Pierre Taieb

Intérpretes: Fanny Valette, Johan Libéreau, Raphaël Lenglet, Nicolas Giraud, Maud Wyler, Justin Blanckaert

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Otra muestra de terror turístico, esta vez se trata de un grupo de jóvenes franceses los que deciden irse a los bosques de Croacia. Evidentemente no será una buena idea.

Seguramente el punto más publicitado y, realmente, el punto fuerte de esta película sea su mezcla de terror con escenas más propias del cine de acción o aventuras.

La primera parte de la película recuerda mucho más a "Máximo riesgo" (1993) o "Límite vertical" (2000) que a una película de terror al uso.

Pero la aparición de un(os) asesino(s) psicópatas hará que la cosa se complique. Unos jóvenes perseguidos en un bosque lejano por uno o más asesinos... ¿Les suena? "Cabin fever", "Desmembrados", "Rodvyr" o "Wrong Turn", por citar algunso títulos (más sobre el "terror turístico aquí, en catalán). Es cierto, "Vertige" no es el colmo de la originalidad.

Aun así, sus dosis de acción, su pequeño triángulo amoroso, y algunos detalles interesantes, hacen de esta película un pasatiempo más que aceptable. Y, sin duda, mucho mejor que otras obras del sobrevalorado "nuevo terror francés".

Bajo la sal (2008)

2010-01-11T02:01:00.000-08:00

Título original: Bajo la sal
Director: Mario Muñoz
Guión: Mario Muñoz, Ángel Pulido
Director de fotografía: Serguei Saldívar Tanaka

Música: Federico Bonasso
Intérpretes: Humerto Zurita, Plutarco Haza, Emilio Guerrero, Ricardo Polanco, Irene Azuela
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Del cine mexicano nos llegan, casi exclusivamente, las obras de Alfonso Cuarón y Arturo Ripstein. Este hecho podría llevarnos a pensar que en México sólo se realizan dramas y comedias dramáticas. "Bajo la sal" no sólo rompe este tópico sinó que también nos sorprende gratamente con una buena muestra de thriller.

La película se inicia con el hallazgo, en una explotación salinera, del cadaver enterrado en la sal de una mujer. La aparición de otros cadáveres, así como las múltiples desaparaciones denunciadas, hacen temer que se trate de un nuevo caso parecido al de "Ciudad Juarez".

Como en la mayoría de thrillers la película sigue la investigación que llevan a cabo las fuerzas de seguridad, encabezadas por el jefe Salazar, jefe de la policía local, y el comandante Trujillo, venido de la capital para ayudarle en las investigaciones, en una localidad donde toda actividad gira alrededor de la salinera.

Paralelamente, el joven Víctor Zepeda lucha contra la incompresión recíproca que siente hacia la sociedad que le rodea y una situación familiar insostenible.

El acertado guión nos presenta unos personajes perdidos en unos paisajes interiores tan áridos como el paisaje en el que habitan. Cada uno intentará hacer frente a su manera a los sucesos que tienen lugar a su alrededor.

La fotografía tiene una gran importancia en la creación de esta atmósfera fronteriza entre lo real y lo irreal, tan propia del thriller moderno (Twin Peaks, Fargo y otras). El paraje, tan inhospito como el de "Fargo", se convierte en escenario perfecto para el desarrollo de esta historia de perdedores.

Los personajes estan bastante bien perfilados, muchísimo mejor que la inmensa mayoría de thrillers que nos llegan de origen norteamericano. Y las reminiscencias a los casos de "Ciudad Juarez" planena sobre el argumento como un amargo recordatorio de que hechos tan horribles suceden realmente.

Por todo ello recomendamos fervientemente el visionado de "Bajo la sal", no sólo por el valor de la película en sí, sinó también por poder ver un punto de vista distinto de un género sobre-explotado por el cine estadounidense. Pero más allá de ello se trata de una película que mantiene al espectador pegado al asiento, lo que actualmente es un gran mérito.

Donde viven los monstruos (2009)

2009-12-24T02:59:00.000-08:00

Título original: Where the Wild Things Are

Director: Spike Jonze

Guión: Spike Jonze, Dave Eggers (basado en el libro de Maurice Sendak)

Director de fotografía: Lance Acord

Música: Carter Burwell, Karen Orzolek

Intérpretes: Max Records, Catherine Keener

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"Donde viven los monstruos" se basa en el libro infantil del mismo título de Maurice Sendak, adaptado por Spike Jonze, director de "Cómo ser John Malkovich". El libro, ilustrado por el propio Sendak, ha servido de clara inspiración para el diseño de los seres que habitan el mundo que da título a la película.

Toda la película se impregna del ambiente del libro original, que recuerda bastante a "El principito", de Saint-Exupéry. Pero con un tono menos poético y, si podemos decirlo así, más ácido.

La película cuenta la historia de Max, un niño problemático con una gran imaginación, que se escapa de casa. En su huida llegará a una isla donde habitan unos seres de apariencia monstruosa pero carácter bastante inseguro.

La convivencia con los monstruos enseñará a Max diversas lecciones sobre la vida. Y también sobre la importancia de la amistad.

Spike Jonze consigue trasladarnos al mundo de Maurice Sendak, y ese es el principal mérito de esta película que, aunque a ratos fascinante, seguramente adolece de un ligero exceso de metraje, que la lastra, sobretodo en su segunda mitad.

A pesar de ello, se trata de una película bellísima (como se trasluce de las imágenes que acompañan esta crítica), que nos trasladará a un mundo misterioso y maravilloso a la vez. "Donde viven los monstruos" es una de estas obras que dejan un poso en nuestro inconsciente, más allá de la impresión que nos provoca su visionado, algo que muy pocas obras consiguen.

Vinyan (2008)

2009-12-22T04:29:00.000-08:00

Título original: Vinyan
Director: Fabrice Du Welz
Guión: Oliver Blackburn, Fabrice Du Welz, David Greig
Director de fotografía: Benoît Debie
Música: François Eudes
Intérpretes: Emmanuelle Béart, Rufus Sewell, Petch Osathanugrah

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"Vinyan" se suele encuadrar dentro del género del terror, y concretamente dentro del sub-género del terror protagonizado por niños (con películas como "¿Quién puede matar un niño?" o "Los chicos del maíz"). Pero esta clasificación no se adecua a esta película, que mezcla elementos de viaje iniciático,.

La película se inicia con la historia del matrimonio Bellmer, que han perdido a su hijo durante el tsunami de 2004. Pasado el tiempo siguen buscándole.

A raíz del visionado de una grabación de zonas remotas de la selva de Burma, se convencen de que su hijo podría encontrarse allí. Deciden entonces viajar hacia esa zona remota en busca de su hijo.

Cuando inician la organización de este viaje, entran en una espiral de misterio, de irrealidad, que les conduce a un río, no menos desasosegante.

Emprenden un viaje por un río fantasmagórico. Los paralelismos con "Apocalypse Now" son evidentes. Se trata también de una búsqueda, pero en este lugar no de un militar loco, sino de un familiar, de un hijo. La locura, la obsesión que crecen durante el viaje son parecidos, pero las razones muy distintas.

A medida que transcurren los días en su búsqueda ésta se vuelve más y más interior, a medida que se adentran en parajes cada vez más salvajes.

La fotografia de Benoît Debie es excepcional. Adjunto unas cuantas imágenes del film para que se hagan una idea.

Les recomiendo fervientemente el visionado de "Vinyan". No busquen terror, busquen algo mucho más profundo, el miedo a lo desconocido. Y también el miedo a perder un hijo; y la fuerza de la maternidad, y lo que una madre puede hacer por un hijo (algo que ya vimos en "Aliens" de James Cameron).

Redescubran "Vinyan" y dejense llevar en su viaje, por sus imágenes.

Ghostwatch (1992)

2009-12-10T06:50:00.000-08:00

Título original: Ghostwatch

Director: Lesley Manning

Guión: Stephen Volk

Música: Philip Appleby

Intérpretes: Michael Parkinson, Sarah Green, Mike Smith

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Si decimos que este programa de la BBC es uno de los momentos más influyentes del fantástico y el terror de los últimos veinte años, probablemente la mayoría de ustedes creerán que me he vuelto loco o que padezco una crisis de esbonismo. Y, a pesar de todo, estoy convencido de ello.

Ghostwatch fue una broma de la BBC emitida el día de Halloween. Se trataba de una variante de falso documental (mockumentary) desarrollada como falso programa en directo. La base del argumento era enviar un equipo de investigación (presentadora, cámara, ayudante de sonido) a una casa donde presuntamente tenían lugar fenomenos paranormales. Mientras tanto, en el plató, el presentador y una especialista analizan los sucesos que tienen lugar en la casa, mientras diversos voluntarios atienden las llamadas de los televidentes.

El programa es revolucionario porque, en primer lugar, en el momento de su emisión no nos hallabamos aun en el auge del falso documental que nos invade hoy (Cloverfield, [REC], etc).

En segundo lugar, el guión es francamente bueno, y consigue sacar partida de, digamoslo así, las imposiciones o limitaciones del formato, y los convierte en sus puntos fuertes.

El desarrollo de la trama presenta un crescendo muy bien logrado, con un muy buen dominio de la tensión. La prueba de su efectividad son las consecuencias que tuvo su emisión. Aparte del recurrente tema del suicidio de un joven, más o menos relacionado con la emisión de Ghostwatch, la polémica que desató su emisión (claro está, en una época en que la televisión era más inocente que ahora), con críticas a la BBC, y su reedición posterior en DVD confirman su impacto.

La influencia de este programa se ha notado en obras como El proyecto de la Bruja de Blair, [REC], la más reciente Paranormal Activity y otras. Algunas de estas obras tienen secuencias que parecen sacadas de Ghostwatch; y esto prueba su vigencia.

Actividad paranormal (Paranormal Activity) (2006)

2009-11-13T00:43:00.000-08:00

Título original: Paranormal Activity

Director y guión: Oren Peli

Intérpretes: Katie Featherston, Micah Sloat, Mark Fredrichs, Ashley Palmer

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"Paranormal Activity" llega precedida por una gran expectación. Algunos hablan de una de las películas más terrórificas de los últimos tiempos o la película de terror más impactante desde"[REC]". Pero en realidad se trata de una película anterior, de 2006. Rodada con un bajísimo presupuesto por el director de origen israelí Oren Peli con un grupo de amigos, la película fue mostrada en el Screamfest Film Festival y allí provocó el interés de Dreamworks, la productora de Steven Spielberg.

La productora estuvo barajando la posibilidad de realizar un remake con el mismo director. Pero antes se realizó un pase privado ante diversos guionistas. Esta resultó en disparidad de opiniones pero con impresiones muy positivas de algunos de ellos. Finalmente Paramount, distribuidora de las películas de Dreamworks, encontró un hueco para su estreno en otoño.

Pero hablemos de la película desde un punto de vista cinematográfico. "Paranormal Activity" se engloba dentro del subgénero de terror del falso documental o mockumentary. Sería este el mismo género de la mencionada [REC], y hace años de "The Blair Witch Project". Muchos creen que esta fue la obra fundamental de este género, pero habría que recordar la olvidada pero quintaesencial "Ghostwatch", programa de la BBC de 1992, que presuntamente narraba en directo los hechos paranormales ocurridos en una casa familiar. El visionado de "Ghostwatch" mostrará las influencias que ha tenido tanto en "[REC]", como en "Paranormal Activity", como en muchas otras.

El argumento de la película gira en torno a una pareja que sufren los inconvenientes de una serie de fenomenos paranormales nocturnos en su casa. Para poder comprobar si son reales, obtener pruebas y, tal vez, alguna solución, deciden utilizar una cámara de video y grabar todas las noches su dormitorio. Estas grabaciones mostrarán que sus temores están fundados. Los fenómenos grabados serán variados e irán in crescendo, hasta un final dramático.

Técnicamente hablando la película está totalmente limitada por su planteamiento, pero también en ello radica parte de su fuerza. Los aficionados al terror desean cada vez planteamientos más reales y realistas, y el punto de partida de esta película se lo brinda. Podríamos decir que "Paranormal Activity" lleva los fundamentos de este género al extremo, exclusivamente dos personajes durante casi todo el metraje, una sola localización, una sola cámara de video normal...

Se trata pues de una película bastante recomendable. Seguramente no es tan terrorífica como se dice, pero si nos hará pasar una mal rato (de eso se trata, ¿no?). Pero debe aclararse que no es una película para todo el mundo; sólo para los aficionados al terror psicológico.

Saw VI clasificada como "X" por el Ministerio de Cultura

2009-10-20T09:51:00.000-07:00

El Ministerio de Cultura ha clasificado la sexta entrega de la serie "Saw" como película X. Esto hará que no pueda estrenarse este viernes como estaba anunciado. Es previsible que la productora presente alegaciones para conseguir la recalificación de la película, pues de seguir calificada como "X" prácticamente acabaría con su vida comercial en salas cinematográficas en España.

Es cierto que la saga Saw se ha caracterizado por una violencia creciente, cada vez menos justificada argumentalmente, pero sorprende que se aplique esta calificación a "Saw VI", con mayor razón por existir cinco entregas anteriores de la serie que no fueron calificadas como "X".

La huérfana (2009)

2009-10-20T01:45:00.000-07:00

Título original: Orphan

Director: Jaume Collet-Serra

Guión: David Johnson, Alex Mace

Director de fotografía: Jeff Cutter

Música: John Ottman

Intérpretes: Vera Farmiga, Isabelle Fuhrman, Peter Sarsgaard, Jimmy Bennett, Aryana Engineer

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A raíz del estreno de este "La huérfana" y de "Infectados"("Infected"), de los hermanos Pastor, se ha hablado bastante acerca del "terror catalán", estos directores, junto con el director originario de Lleida, Jaume Balagueró, así como el trabajo como productor Julio Fernández al frente de Filmax, han justificado este debate.

Más allá de la existencia o no de factores comunes entre ellos, y de la ausencia de aspectos más locales en sus obras (exceptuando "[REC]"), se puede diferenciar claramente la obra de Filmax y Balagueró, un estilo que entronca con el cine de terror de los setenta y que tiene también bastantes puntos en común con el nuevo cine de terror japonés; de la obra de los hermanos Pastor y de Collet-Serra mucho más identificable con el cine americano contemporáneo.

A priori, los créditos de Jaume Collet-Serra no resultan excesivamente halagüeños, el mediocre remake de "Los crímenes de la casa de cera" y la segunda parte de "Goal". Pero el director ha conseguido sorprendernos gratamente con esta película. Que se ve con cierto agrado y resulta bstante entretenida.

La película cuenta la historia de una pareja que pierden el bebé que esperan y deciden adoptar otro, para darle la vida que deseaban para su hija; un argumento que parece una nueva versión de "La profecía" ("The Omen") pero sin los tintes demoniacos que tanto gustaban en los setenta; y a la más reciente "El escondito" ("Hide and seek"), con Robert De Niro.

La niña elegida se llama Esther y es de origen ruso. Aparentemente es muy madura para su edad y posee evidentes habilidades artísticas. Su aspecto de zarina seduce a la pareja y deciden adoptarla. Evidentemente Esther oculta un secreto.

Aunque el argumento no resulta especialmente original, la película se sigue con agrado. A pesar de que el guión contiene numerosos tópicos, la dirección y la interpretación de Isabelle Fuhrman como Esther (ayudada por el maquillaje y el estilismo), hacen que la película resulte una agradable sorpresa.

Memorias del ángel caido (1997)

2009-10-19T06:08:00.000-07:00

Director: David Alonso y Fernando Cámara

Guión: David Alonso y Fernando Cámara

Director de fotografía: Fernando Arribas

Música: Javier Cámara

Intérpretes: Santiago Ramos, Héctor Alterio, José Luis López Vázquez, Juan Echanove

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Actualmente estamos asistiendo a una auténtica explosión del género terrorífico nacional. No sólo se crea cine de terror, sino que incluso se exportan directores (baste ver la cartelera actual con "La huérfana" y "Infectados" para comprobarlo). Pero hasta hace poco no fue así y, exceptuando brillantes intentos como las dos obras de Narciso Ibañez Serrador ("El internado" y "¿Quién puede matar un niño?"); el cine de terror español ha subsistido exclusivamente en la serie B (Jesús Franco, Paul Naschy, Armando Ossorio), hasta finales de los años noventa, cuando aparecen las primeras señales de que algo estaba sucediendo ("Tesis", "Els sense nom"...).

En esa época se sitúa esta obra "Memorias del ángel caido". El argumento gira en torno a los sucesos que tienen lugar en una iglesia, sucesos aparentemente paranormales que coinciden con la aparición de una secta satánica. La muerte de diversas personas desencadenará una investigación policial. Pero lo interesante es la forma en que se enfoca la historia; no centrándose en la investigación policial, sino en el interior de la Iglesia, es decir, en los párrocos que viven en ella y el matrimonio que se encarga de su cuidado.

Además el enfoque pretende ser más psicológico que terrorífico, creando una atmósfera desasosegante y malsana que, realmente, insinua la venida del "ángel caido". Y aunque algunos aspectos del guión resulten poco originales o parezcan introducidos con calzador, el conjunto resulta lo suficientemente entretenido, y su planteamiento lo suficientemente original para justificar su visionado.

Arrebato (1980)

2009-10-04T06:40:00.000-07:00

Director: Ivan Zulueta
Guión: Ivan Zulueta
Director de fotografía: Ángel Luis Fernández
Música: Negativo, Ivan Zulueta
Intérpretes: Gustavo Salmerón, Cecilia Roth, Will Moore
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Arrebato es sin duda la película de culto por antonomasia del cine español. Hablar de Arrebato es hablar de una película realmente inclasificable. Es una película imperfecta, sin ninguna duda, pero también una obra realmente fascinante.

Rodada en 1980, época del esplendor del cine de Mariano Ozores y de la quinqui-explotation, el cine sobre la delincuencia de extrarradio que asolaba las grandes ciudades españolas, Arrebato se rebela como una obra inclasificable; aunque su temática (que no desvelaremos) la incluiría dentro del género del terror, pero eso sería un error, pues se trata de una película más experimental que de género.

A nivel argumental la historia se resume muy fácilmente; el personaje interpretado por Gustavo Salmerón se siente fascinado por el el joven al que da vida Will Moore. Una película sobre el poder de la imagen, la fascinación que estas pueden provocar.

Muy lejos de ser una obra maestra, es sin duda una película única en la historia del cine español; una película imprescindible y admirable, por lo que suspuso de revolucionario en el árido panorama cinematográfico de su época a nivel nacional, y también por el misterio indescifrable de muchas de sus imágenes.

The Langley School's Music Project

2009-09-30T09:01:00.000-07:00

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Key of Z

Langley School's Music Project es una colección de canciones interpretadas por un coro de niños durante 1976-77 por el profesor de música canadiense Hans Fenger en un gimnasio de la escuela en Langley, en la Columbia Británica, cerca de Vancouver. Los estudiantes versionaron exitos de la época de artistas como Beach Boys, David Bowie, Paul McCartney y otros. Las grabaciones cayeron en el olvido hasta que el coleccionista musical Brian Linds de Victoria Records encontró el primer disco en un rastro y lo envió al DJ de la emisora WFMU, y entusiasta de la música alternativa, Irwin Chusid en 2000. Después de la negativa de diez discográficas, Irwin logró que el álbum fuese publicado por Bar/None Records, y inmediatamente se propagó a nivel internacional en los ambientes alternativos, haciendo que el álbum apareciese en múltiples listas de los mejores discos de 2001. En 2002 VH-1 organizó una reunión de Fenger y docenas de sus antiguos estudiantes, y produjo un documental sobre el encuentro.

Hans Fenger, creador y responsable del Langley School's Music Project, declaraba:

"Yo no sabía prácticamente nada sobre educación musical convencional, ni sabía enseñar canto. Tampoco sabía nada de que se suponía que era la música para niños. Pero los niños tenían una intuición inata de lo que les gustaba: emoción, drama, y crear música en grupo. Si los resultados estaban bien, mal, afinados o no, no era lo importante -ellos tenían "élan" (fuerza vital). No era el modo en que tradicionalmente se enseñaba música. Pero en aquel entonces no me gustaba la música infantil convencional, que es condescendiente y no se preocupa de la realidad de la vida de los niños, que pueden ser oscuras y atemorizantes. Estos niños odiaban 'bonito'. Ellos crearon canciones que evocaban soledad y tristeza."

"Los arreglos de los acompañamientos son impresionantes. Acompañado con la itnerpretación vocal más valiosa cuando es lúgubre, tienes una obra de arte que yo no podría haber concebido, ni siquiera con la mitad de los mejores productos de exportación de Colombia." - David Bowie (sobre "Space Oddity ")

"El efecto de todas esas voces jóvenes cantando "Calling Occupants" es encantador." - Richard Carpenter, The Carpenters.

"Cuando oí sobre el proyecto Langley, me pareció muy interesante, pero yo realmente tenía la idea de que serían niños cantando desafinados en un gimnasio. La realidad me arrebató - una embrujadora, evocativa "pared de sonido" que afecta de un modo increíblemente visceral. ¡Qué CD tan asombroso!" - Fred Schneider, de B-52's

"Esto es belleza. Esto es verdad. Esto es la música que toca el corazón en un modo que ninguna otra música alguna vez hizo, o alguna vez lo hará." - John Zorn

"Me encuentro llamando a amigos, poniendo el disco de Langley School's Music Project realmente alto, poniendo el teléfono y gritando, '¿Puedes oír esto? ' Lo pongo de vez en cuando durante el día, templándolo en y hacia fuera, a veces estremeciendome cuando cantantes entonan una nota extraña, después sacudiendo la cabeza en perpleja fascinación cuando la música de repente, y aunque parezca increíble, supera las limitaciones "kitsch" que parecen diseñadas para mantenerla en la tierra y se eleva al reino del arte verdadero. Vuela, torcido como el vuelo de una mariposa, pero esto todavía vuela. Desearía que todas las escuelas enseñarán música como ésta. Desearía que toda la música grabada en un gimnasio de escuela fuese así de fascinante... y entonces sospecho que, si las escucho correctamente, tal vez lo serían." - Neil Gaiman.

"Spike (Jonze) vino a mí con la idea de que la música que tuviese un estilo similar al de Langley Schools' Music Project, Innocence & Despair, que es un coro de niños cantando canciones pop melancolicas de David Bowie y los Beach Boys. No sé cuán cerca llegamos a aquella idea al final, pero la intención era escribir melodías simples que fuesen emocionalmente complejas - algo que tanto niños como adultos apreciarían." - Karen O de los Yeah Yeah Yeahs, entrevistado sobre la composición de las canciones para la película."Where the Wild Things Are"

La lista de canciones grabadas, con los artistas originales es la siguiente:

1. Venus and Mars/Rock Show (Paul McCartney & Wings)
2. Good Vibrations (The Beach Boys)
3. God Only Knows (The Beach Boys)
4. Space Oddity (David Bowie)
5. The Long and Winding Road (The Beatles)
6. Band on the Run (Paul McCartney & Wings)
7. I'm Into Something Good (Herman's Hermits)
8. In My Room (The Beach Boys)
9. Saturday Night (Bay City Rollers)
10. I Get Around (The Beach Boys)
11. Mandy (Barry Manilow)
12. Help Me, Rhonda (The Beach Boys)
13. Desperado (The Eagles)
14. You're So Good To Me (The Beach Boys)
15. Sweet Caroline (Neil Diamond)
16. To Know Him Is To Love Him (The Teddy Bears)
17. Rhiannon (Fleetwood Mac)
18. You're Sixteen (Johnny Burnette)
19. Little Deuce Coupe (The Beach Boys)
20. Wildfire (Michael Martin Murphey)
21. Calling Occupants of Interplanetary Craft (Klaatu)

Y una muestra, "Venus and Mars/Rock Show", de los Wings de Paul MacCartney:

Distrito 9 (2009)

2009-09-29T02:52:00.000-07:00

Título original: District 9

Director: Neill Blomkamp

Guión: Neill Blomkamp & Terri Tatchell

Director de fotografía: Trent Opaloch

Música: Clinton Shorter

Intérpretes: Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, David James

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Realmente original punto de partida el de "Distrito 9": una gigantesca nave extraterrestre (algo así como las naves nodrizas de "V", llega a la Tierra, pero, como se remarca en la película, no se posa sobre Nueva York, Paris o Londres, sino sobre Johannesburgo, en Sudáfrica. Pero sus tripulantes no vienen para declarar la guerra a la humanidad ni tampoco con propósitos pacíficos; en realidad se trata de refugiados, famélicos y desnutridos que, por alguna razón desconocida, han llegado a nuestro planeta, como si se tratara de un gigantesco cayuco intergaláctico.

Todos los alienígenas son entonces recolocados en una zona especial de la ciudad, llamada Distrito 9, que rápidamente se convierte en un gueto. Veinte años después, ante los evidentes problemas de convivencia, las autoridades deciden reubicar a los alienígenas en una nueva zona.

Seguiremos entonces las aventuras y desventuras de Wikus Van De Merwe, encargado de organizar el traslado y de repartir las ordenes de deshaucio a los alienígenas.

La película está filmada en un estilo semirrealista, casi documental, aunque no se puede hablar de mockumentary (falso documental), ya que en todo el tramo final, las imágenes pierden su tono documental, para convertirse en una película de acción al más puro estilo John McTiernan (por poner un ejemplo de buen cine de acción).

Una película que, sin ser redonda, aporta muchísimos aspectos interesantes, especialmente en su enfoque del racismo, como ya han hecho muchas películas de ciencia-ficción anteriormente, como en "Alien Nation" e incluso en la mencionada "V". La ciencia-ficción demuestra así su capacidad metafórica para adaptar la dramática real a las ficciones más elaboradas.

Respecto a las imágenes, cade distinguir dos estilos muy diferenciados: uno sería el documental, magnífico y realmente conseguido; por otro lado, el tramo final, de acción, remarcable. Algunas escenas recordarán los combates de "Black Hawk derribado", incluyendo un homenaje final a "Aliens".

Exorcismo en Connecticut (2009)

2009-08-24T11:23:00.000-07:00

Título original: The Haunting in Connecticut
Director: Peter Cornwell
Screenplay: Adam Simon, Tim Metcalfe
Intérpretes: Kyle Gallner, Virginia Madsen, Elias Koteas, Martin Donovan, Amanda Crew
Música: Robert J. Kral
Fotografía: Adam Swica
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El origen de este "Exorcismo en Connecticut" (sería mucho más correcto y fiel al título original hablar de "Embrujo en Connecticut"), es un documental de Discovery Channel, supuestamente basado en hechos reales, del mismo título.

La película ha sido recibida con críticas bastante negativas, siendo calificada de previsible, tópica, rutinaria... Y realmente no se trata de la película más original del año. Su principal defecto es lo trillado de su desarrollo durante al menos la primera hora; una familia va a vivir a una casa con pasado, y uno de sus miembros comienza a ser víctima de extrañas visiones y sucesos.

Pero cuando falta una hora aproximadament para el final la película mejora sustancialmente y, sin convertirse en una obra maestra, si consigue remontar el vuelo. Esta recuperación coincide prácticamente con la aparición del personaje interpretado por Elias Koteas, que compone un sacerdote enfermo de cancer que ejercerá el papel de guía de la familia.

Y es entonces cuando la película logra un poco de ritmo y consigue interesarnos y introducirnos en la trama. Las mejores escenas también tienen lugar durante esta parte del film (la sesión de espiritismo, la escena del ectoplasma, el descubrimiento de los cadáveres...). En resumen, una película que aunque no aparecerá en ninguna antología de cine de terror, si deparará una entretenimiento aceptable para quien se deje llevar por ella y unos treinta minutos finales que compensarán sobradamente el precio de la entrada y el desplazamiento hasta el cine bajo el calor veraniego.

Dracula vuelve de la tumba (1968)

2009-08-19T00:14:00.001-07:00

Gran poster, muy sensual pero aun así elegante.

Arrástrame al infierno (2009)

2009-08-06T06:04:00.000-07:00

Título original: Drag me to hell

Director: Sam Raimi

Screenplay: Sam Raimi, Ivan Raimi

Intérpretes: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver

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La última obra de Sam Raimi (director de todas las entregas de Spiderman) es una epopeya de terror con mucho humor, con un guión escrito a medias entre el propio Raimi y su hermano, Ivan.

La película se inicia con un planteamiento muy propio de la época que vivimos: una emplreada de banco decide no concederle una prórroga en su hipóteca a una anciana gitana, y esta, en venganza, la maldice. Un argumento un tanto ridículo que supone una declaración de intenciones de una película sin pretensiones muy entretenida, con grandes sustos y un terror casi autoparódico.

Sam Raimi recupera un poco, sólo un poco, los mecanismos que el diron a conocer en Posesión Infernal y Terroríficamente Muertos (The Evil Dead); terror gamberro que no se toma en serio a sí mismo (problema dramático en muchos cineastas actuales), y que evidentemente con un presupuesto inmensamente mayor, intenta compatibilizar terror y humor.

Una película que no aburrirá a los aficionados al terror, pero que conviene ir a ver sin excesivas pretensiones, con el sanísimo objetivo de pasarlo bien y, por que no, pasarlo también un poquito mal.

Encuentros en la tercera fase (1977)

2009-07-30T03:41:00.000-07:00

Título original: Close Encounters of the Third Kind
Dirección y guión: Steven Spielberg
Intérpretes: Richard Dreyfuss, François Truffaut, Melinda Dillon, Teri Garr
imdb

La obra de Steven Spielberg se podría dividir en películas de entretenimiento y obras con mayor profundidad; entre las primeras estarían "En busca del arca perdida" o "Parque Jurásico"; y entre las segundas "La lista de Schlinder" o "Munich". Aunque es evidente que estas obras, como la mayoría de películas de Spielberg, mezclan hábilmente ambos objetivos; sus obras más comerciales superan con creces las ambiciones de un Jerry Bruckheimer; y sus obras más profundas consiguen arrastrar a las masas a las salas de cine.

Pero entre los críticos existe polémica sobre cuál de sus facetas es superior. Así como muchos de sus fans consideran "La lista de Schlinder" o "Salvador al soldado Ryan" sus mejores películes; la crítica reivindica "En busca del arca perdida" o "Tiburón" como sus mayores aciertos. Tal vez haya en esto algo de esnobismo, por tratarse de obras de la primera parte de su carrera; pero debo admitir que si tuviese que elegir, también me quedaría con sus obras de los setenta y primeros ochenta.

Más allá de todas estas disquisiciones, hay una película de Steven Spielberg que considero inmensamente superior al resto de su obra, una obra maestra a cuya altura pocas han llegado en los treinta años transcurridos desde su estreno. Esta película es "Encuentros en la tercera fase".

Todas sus imágenes desprenden ese aroma a clásico, que muy pocas películas consiguen transmitir. Algunas de ellas han pasado a la cultura popular y su influencia aun se percibe hoy en día, como las escenas en las que el personaje de Richard Dreyfuss moldea pure de patata o crea una gigantesca maqueta de arcilla para intentar recuperar la forma que tiene en su mente.

Recordemos que "Encuentros en la tercera fase" cuenta diversas historias paralelas; la de Claude Lacombe (interpretado por François Truffaut) que investiga extraños sucesos ocurridos en distantes lugares del planeta; la de Roy Neary (interpretado por Richard Dreyfuss) quien, después de un extraño encuentro nocturno, queda obsesionado con una forma que no se le va de la cabeza; y Jillian Guiler (Melinda Dillon) quien busca a su hijo desaparecido. Sus caminos les llevarán a encontrarse en un misterioso punto de la geografía americana.

Las imágenes son fascinantes; como ese barco encallado en el desierto, un objeto totalmente fuera de lugar, cuya sola imagen sirve para introducirnos en el desconcierto de los investigadores. O el perfil de esa montaña, llamada Devil's Tower. E incluso los hallazgos sonoros, como la melodía recurrente que el niño interpreta recurrentemente, o ese diáologo musical final.

Mucho se ha escrito sobre la fascinación que el cine de Howard Hawks y John Ford ejerció sobre los directores de los setenta (Steven Spielberg o Martin Scorsese, por ejemplo); la influencia del primero es evidente en todos los sucesos alrededor de la Devil's Tower, el viaje en su búsqueda y después la huida por la sierra.

Trasluce en todo el guión una reivindicación de la locura, de la imaginación; representada en el personaje de Richard Dreyfuss quien atado a una vida mediocre y frustrante, se ve obligado a buscar la explicación de lo que le está sucendiendo. A pesar de que para ello tenga que arrisgar su forma de vida.

La obra más completa de Steven Spielberg, a la que no se le puede reprochar absolutamente nada. Con una estructura perfecta, un desarrollo y un tempo magistral; y, como ya hemos comentado, unas imágenes que han pasado ya a la historia del cine.

Jane Fonda

2009-07-09T06:45:00.000-07:00

Jane Fonda. New York, 1960.

El síndrome de China (1979)

2009-07-08T09:16:00.000-07:00

Título original: The China Syndrome

Director: James Bridges

Guión: Mike Gray, T.S. Cook, James Bridges

Intérpretes: Jane Fonda, Michael Douglas, Jack Lemmon

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El síndrome de China es una expresión que se refiere a la hipótesis de que, en caso de la fusión de un reactor nuclear, el material fundido podría atravesar el suelo del reactor, y hipotéticamente, llegar al otro extremo del globo terraqueo (que para los norteamericanos equivaldría a China).

Durante los años 70 se produjo un importante debate en los medios norteamericanos acerca de la seguridad de las centrales nucleares. Aunque en la percepción popular el único accidente grave relacionado con la energía nuclear fuese el de la central de Chernobil, en 1979, pocos días después del estreno de la película se produjo un accidente en la central de Three Mile Island (Pensilvania), que guardaba muchas similitudes con el descrito en la película.

Pero desde mi punto de vista lo más interesante de El síndrome de China es como se enfoca la historia. A priori el debate planteado por la película es acerca de la seguridad de las centrales nucleares, y como todas las medidas de seguridad pueden quedar anuladas debido a la negligencia de los que las construyen, trabajan en ellas o supervisan.

Pero el argumento de la película trata sobre un tema bastante más humano y, en mi opinión, ese es el exito de la película; sobre el honor de una persona y como los intereses de algunos pueden hacer que se ponga en duda la palabra, el honor y/o la profesionalidad de una persona. Hemos visto numerosos ejemplos de historias David contra Goliat (Erin Brockovich, de Steven Soderbergh, sería una de las más populares, o El dilema, de Michael Mann); pero en ninguna se percibía como en esta el ataque contra la honorabilidad de una persona.

No es necesario decir que Jack Lemmon está perfecto en su papel, la fuerza dramática de la película recae casi totalmente en su personaje. Jane Fonda también hace uno de sus mejores trabajos (ya hablamos de ella cuando reivindicamos La jauría humana); el papel de la periodista Kimberlly Wells parece escrito para ella, profesional independiente, sexy, liberal... todo lo que ella era en la vida real. Michael Douglas también cumple competentemente con su papel, así como todos los secundarios.

Respecto a la dirección de James Bridges, sin ser brillante, es totalmente correcta; lo que algunos calificarían de artesanal, un adjetivo que se ha convertido en peyorativo últimamente y que yo personalmente defiendo (cuantos supuestos artistas sobran hoy en día, y cuantos artesanos faltan...).

La fotografía y la música son más que correctas, destacando la canción "Somewhere in between", de Stephen Bishop, con la que se abre la película.

Una película que sorprenderá a los que esperen un película antinuclear, pues su temática huye del panfleto, y como el mejor cine político (como Z y Desaparecido, ambas de Costa-Gavras) está más dirigida a las reflexiones éticas que a las reflexiones políticas o, en este caso, medioambientales.

Los cazafantasmas (1984)

2009-06-24T04:49:00.000-07:00

Título original: Ghostbusters

Director: Ivan Reitman

Guión: Dan Aykroyd y Harold Ramis

Intérpretes: Bill Murray, Sigourney Weaver, Dan Aykroyd, Harold Ramis, Rick Moranis

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Los cazafantasmas es una de las películas emblemáticas de los años ochenta, y realmente define perfectamente el cine de aquella época, y, aunque no sea su propósito, la sociedad y las costumbres de aquella década (como me ha recordado algún colega, la escena de los cazafantasmas fumando en la cripta donde almacenan todas las entidades capturadas es paradigmática de ello -y totalmente impensable hoy en día-).

Los cazafantasmas son una creación básicamente de Dan Aykroyd (anteriormente el 50% de Blues Brothers) y Harold Ramis (posteriormente guionista y director de la magnífica Atrapado en el tiempo), y ellos son los autores del guión.

El guión es simplemente perfecto, va situandonos poco a poco en la trama sobrenatural, dosifica perfectamente las escenas de acción (o escenas espectáculo), mezcla también matemáticamente las escenas de humor con las de acción; hasta un desenlace final magnificamente resuelto. En realidad, no se le podría pedir más a una película de entretenimiento.

Asímismo, el guión se ve potenciado por un elenco de actores en estado de gracia. Es cierto que Cazafantasmas no es un drama pero los actores estan sencillamente perfectos en sus papeles (todos parecen haber sido concebidos para ellos): Bill Murray (a quien más tarde descubriríamos como actor dramático), Dan Aykroyd (ganador de un Oscar por Paseando a Miss Daisy), Sigourney Weaver, Rick Moranis, y los dos cazafantasmas restantes (Harold Ramis y Ernie Hudson).

Lo único que, tal vez, no estaría a la altura, es la dirección, que está en manos de Ivan Reitman. Es cierto que no se trata del mejor director de su época. Pero también es cierto que esta es su mejor película (aunque también salvaríamos de su filmografía Animal House). El guión es tan consistente y los actores tan buenos, que Reitman se limita a filmar con competencia y corrección lo que va pasando.

Ahora que se cumplen 25 años de su estreno, podemos reivindicar Cazafantasmas como una de las grandes películas de entretenimiento de los ochenta (a la altura de En busca del arca perdida o Poltergeist).

Y, aunque la segunda parte (a pesar de tener sus buenos momentos) era en su conjunto decepcionante, no perdemos la esperanza de reecontranos con los cazafantasmas en la tan esperada tercera parte.

Llamada a un reportero (1985)

2009-06-22T07:18:00.000-07:00

Título origininal: The Mean Season
Director: Phillip Borsos
Guionista: Leon Piedmont (basada en la novela de John Katzenbach)
Intérpretes: Kurt Russell, Mariel Hemingway, Richard Jordan

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Una película, que me gustaria reivindicar. Prácticamente olvidada, a pesar de ser un filme más que correcto y altamente entretenido.

El director fue Phillip Borsos y estaba basado en la novela "In the heat of summer" de John Katzenbach (autor también de la novela homónima en la que se basaba "Causa Justa").

Cuenta la historia de un periodista que recibe una llamada de un asesino en serie, que pretende convertirlo, de alguna manera, en su biografio oficial. El argumento parece muy poco original hoy en día; el típico argumento de neo-thriller en la estela de "Seven". Pero si nos situamos en 1982, el año en que se escribió el libro, la relación de necesidad y dependencia (ya la forma en que está tratada) que se establece entre periodista y asesino, es bastante revolucionaria.

Lo mejor de la película es, desde mi punto de vista, la ambientación, realmente conseguida, que consigue hacernos sentir el calor y la humedad del verano de Florida.

Kurt Russell y Mariel Hemingway se desenvuelven con competencia en sus respectivos papeles, y en un papel secundario tenemos a un joven Andy García.

Una película para redescubrir y disfrutar.

El retrato de Jennie (1948)

2009-06-07T07:49:00.000-07:00

Título original: Portrait of Jennnie
Director: William Dieterle
Guión: Paul Osborn, Peter Berneis, Leonardo Bercovici (sobre la novela de Robert Nathan)
Interpretes: Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish
País: EEUU
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Ni los más críticos con José Luis Garci pueden negar que ¡Qué grande es el cine! hizo pasar muchas noches de placer a los cinéfilos. Yo debo confesar que una de esas noches descubrí "El retrato de Jennie", que se convirtió desde aquel momento en una de mis películas fetiche.

El origen de la película es la obsesión de David O. Selznick de convertir a su futura esposa Jennifer Jones en una estrella, con Joseph Cotten de pareja y bajo la dirección de William Dieterle. Dieterle era uno más de los directores alemanes y europeos que habían huido de la convulsa Europa a la prometedora America, como también hicieron Fritz Lang, Billy Wilder, y muchos otros.

El argumento cuenta la historia de amor que nace entre un pintor frustrado y una misteriosa joven llamada Jennie, que será el origen del misterioso cuadro que da título a la película, y que será el único fotograma en color de la película.

Pero lo que hace de esta película una obra única en la historia del cine es la forma en que está filmada, pues se trata de una de las ocasiones en que el arte cinematográfico más se ha acercado al ambiente de los cuentos (otro momento sería con "En compañía de lobos" de Neil Jordan). La acción tiene lugar en un Nueva York fantasmal, donde todo parece posible, el tiempo y el espacio parecen meros conceptos sin importancia.

Esa capacidad para crear unos ambientes irreales y fantásticos está sustentada principalmente en la fotografia, obra de Joseph H. August, y en la música de Dimitri Tiomkin, pero que usa recurrentemente, el Arabesque No.1 de Claude Debussy.

Si hubiera que encontrarle un inconveniente, el único que podría esbozarse sería ese prólogo inicial, un tanto forzado, y que según parece fue de hecho una imposición de Selznick. Pero en realidad es un reproche menor, un apunte a pie de página que para nada reduce el valor de la película.

Una obra maestra de la época dorada de Hollywood para redescubrir, que injustamente ha quedado relegada a un olvido incomprensible, debido tal vez, a su inclasificablidad (al no tratarse de cine negro, comedia, drama al uso, ni ningún otro de los géneros clásicos).

Presencias extrañas (2009)

2009-06-02T00:30:00.000-07:00

Título original: The Uninvited
Dirección: Charles Guard, Thomas Guard
Guión: Craig Rosenberg, Doug Miro, Carlo Bernanrd (based on "A Tale of Two Sisters")
Intérpretes: Emily Browning, Arielle Kebbel, David Strathaim, Elizabeth Banks
País: EEUU, Cánada

"Presencias extrañas" es la última versión hollywoodiense que llega a nuestras pantallas de un éxito del cine de terror asiático. En este caso se trata de una adaptación de la coreanan "A Tale of Two Sisters" (estrenada en España como, simplemente, "Dos hermanas"). El argumento es básicamente el mismo, así como el final. Dos hermanas en una casa de campo tienen que convivir con su padre y su madrastra. Pero la convivencia no va a resultar sencilla.

Si bien, la base argumental es la misma, esta versión carece de la que tal vez sea la principal virtud de la original: una gran belleza visual. Porque la gran fuerza de "Tale of Two Sisters" radicaba precisamente en esa ambietación de "cuento", de cuento de terror sí, pero cuento al fin y al cabo. En estas "Presencias extrañas" ese factor se ha perdido, y lo que queda es una cinta de terror, competente, pero sin esa ambientación mágica.

Salvo en algún momento puntual, la dirección es bastante correcta, las jóvenes protagonistas responden con competencia a las exigencias (pocas) del guión, y el conjunto resulta bastante agradable. Tal vez el personaje del joven Matt sea el punto más flojo del argumento, sus apariciones (y desaparición) parecen ser añadidos para completar el guión. Tal vez este sea uno de los problemas de las versiones americanas de los neo-clásicos del terror asiático: la necesidad de completar, de explicar, lo que sucede en la pantalla, cuando ya el maestro Hitchcock ("Los pájaros") nos enseñó que no hay nada más terrorífico que no saber porqué pasan las cosas.

Aunque es cierto, que el resultado es lo suficientemente entretenido como para no arrepentirse de su visionado, como en la mayoría de las ocasiones, se recomienda redescubrir el original; no para comparar, sino para ver un enfoque totalmente distinto de un mismo punto de partida.

Ponyo en el acantilado (2008)

2009-05-24T15:47:00.000-07:00

Título original: Gake no ue no Ponyo
Direcció y guión: Hayao Miyazaki
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Hayao Miyazaki tiene en su haber algunas de las cintas de animación más importantes del último cuarto de siglo; Nausicaa (1984), Porco Rosso (1992), la espectacular La princesa Mononoke (1997) o la insuperable El viaje de Chihiro (2001).

Sus películas son esperadas ansiosamente por todos los aficionados a la animación, y por todos los amantes del cine en general. Desde la realización de Chihiro, nos había llegado El castillo errante de Howl (2004), que por temática y realización tenía bastantes paralelismos con El castillo en el cielo (1986). Y ahora nos llega Ponyo, que podría compararse con Mi vecino Totoro (1988), pues se trataría de la vertiente más infantil de su obra.

Pero el hecho de que se trate de una obra destinada al público infantil no debe engañarnos; pues la fuerza de sus imágenes es suficiente para hacer que sus 100 minutos se nos pasen como un suspiro. Nadie, tenga la edad que tenga, se aburrirá si se deja llevar por las olas de este mar con el que llega Ponyo.

Probablemente decepcionará a los que esperen una nueva obra maestra de Miyazaki, y comparada con el resto de la obra del maestro no este al nivel de algunas de sus grandes creaciones, pero aun así, situada en el panorama de la animación actual, este Ponyo es una gran película; una película perfecta para los niños y para los no tan niños, pero con una mente abierta a la belleza que sólo el maestro Miyazaki nos puede ofrecer.

Antonio Vega. DEP.

2009-05-12T12:04:00.000-07:00

"Deja el frío y entra en calor
y lo oscuro deje paso al color.
No me canso nunca de hablar
porque vivo en el silencio más total"