jueves, 2 de abril de 2020

El hoyo (The Platform) (2019)

título original: El hoyo
director: Galder Gaztelu-Urrutia
guión: David Desola & Pedro Rivero
fotografía: Jon D. Domínguez
música: Aránzazu Calleja
edición: Elena Ruiz & Haritz Zubillaga
intérpretes: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan
imdb
Netflix




El último fenómeno en Netflix, El hoyo (The Platform en su versión inglesa), nos lleva a lo que parece un futuro cercano, para mostrar una prisión estructurada como una torre de celdas con un agujero en el medio (el "hoyo" del español original título). Todos los días, a través de este agujero, desciende una plataforma (la "plataforma" del título en inglés) con comida. El problema: toda la comida se coloca en la plataforma en la parte superior, y con cada nivel que desciende la plataforma hay cada vez menos comida para los prisioneros de niveles inferiores, lo que reduce las posibilidades de supervivencia para quienes viven en niveles más bajos. Para igualar las cosas, una vez al mes, los prisioneros son transferidos entre niveles y, en caso de que su compañero de celda haya muerto, se les asigna un nuevo compañero.




El hoyo comienza con Goreng, un recluso voluntario (sí, voluntario) que descubre las peculiaridades de "el hoyo" y trata de mantenerse con vida el tiempo que tiene que permanecer allí. Durante su tiempo en el interior tendrá varios compañeros de celda, y pasará por varias fases emocionales e incluso filosóficas.
Los paralelismos con Cube (1997) son obvios: un espacio cerrado y peligroso, cuya supervivencia depende de la cantidad de personas que competirán o colaborar, pero El hoyo llega 22 años después, por lo que ya no es tan sorprendente. Además, las limitaciones establecidas por los límites de las celdas con una especie de trasfondo filosófico. Y tal vez aquí está el punto débil de la película.

Películas como Cube o El hoyo, que juegan la carta de shock y el gore, rara vezconsiguen conectar también desde un punto de vista filosófico, incluso emocional, con el espectador. En este sentido, es mucho mejor cuando simplemente no lo intentan y se centran en el entretenimiento.

viernes, 18 de diciembre de 2015

Star Wars - El despertar de la fuerza (2015)



Rey: "There are stories about what happened."
Han Solo: "It's true. All of it."


título original: Star Wars: The Force Awakens
director: JJ Abrams
guionistas: Lawrence Kasdan, J.J. Abrams and Michael Arndt
director de fotografía: Daniel Mindel
montaje: Maryann Brandon and Mary Jo Markey
música: John Williams
interpretes: Daisy Ridley, John Boyega, Harrison Ford
imdb



Permítanme comenzar & nbsp; recuperar lo que escribí en 2009 sobre el reboot de Star Trek
de JJ Abrams: " Cuando George Lucas estaba preparando su Episodio I de la saga de Star Wars seguramente soñaba unió a la leyenda de los personajes originales & nbsp; con un nuevo espíritu de aventura, que combinara la tradición con los tiempos modernos;. y, lo que parece cada & nbsp; vez más difícil, aprovechar las oportunidades de los actuales efectos especiales para & nbsp; un espectáculo & nbsp; absoluto sin distorsionar completamente la trama con & nbsp; esto. Desafortunadamente, no tuvo éxito, y su segunda trilogía de Star Wars pasará a la historia como uno de los mayores fiascos de la historia del cine.

JJ Abrams ha conseguido todos estos objetivos con su reboot de Star Trek. Como trekkie de baja intensidad tengo que decir que este Star Trek es totalmente respetuoso con la tradición trekkie. Los guionistas ciertamente han tomado algunas licencias (la juventud rebelde de James Kirk ...) pero no implica ninguna traición al espíritu de la serie original.
"

Ahora puedo & nbsp; decir ahora que JJ Abrams ha hecho de nuevo. Lo hizo con Star Trek, y lo ha hecho de nuevo con Star Wars. JJ Abrams ha creado el artefacto que todos estábamos esperando.



El despertar de la fuerza tiene todo lo que se espera que tenga. Satisfará a los fans de las películas originales y también en & nbsp; las nuevas generaciones. De hecho, la única crítica que se me ocurre es que no arriesga nada. Pero cuando & nbsp; un ocupa de Star Wars (y aún & nbsp; Además, cuando & nbsp; uno trata con los fans de Star Trek) cualquier riesgo puede convertirse en un herejía. Desarrollaremos este punto al final del artículo, para no revelar nada de la trama en este punto. Ten en cuenta que Lawrecence Kasdan (coautor de los guiones de El Imperio Contraataca y El Regreso del Jedi, ha colaborado en El despertar de la fuerza), en un intento obvio & nbsp; vincularse con las películas originales (por cierto, Lawrence Kasdan fue guionista y director del clásico neo-noir Body Heat).



TFA (The Force Awakens, en su título original) homenajea a las películas originales, pero de una manera emocional, elegante. Probablemente este es el mayor éxito de TFA, como se vincula con la historia original, y con nuestros queridos personajes.





TFA también trae algunas imágenes impresionantes, como los teasers y trailers ya revelados. Homenajes a otras películas, como los Ala-X que vuelan sobre el lago o los Tie contra un solo descendiendo, recordando & nbsp; la escena icónica de Apocalypse Now, o esta nave gigante hundida en la arena, como la nave de Close Encounters of the Third Kind.





Y también está el lado oscuro ... Este nuevo Stih (y su sable láser cruzado) & nbsp; representa un oscuro personaje carismático, no como ocurrió con el casi ridículo Darth Maul de el Episodio I, incluso en los momentos más íntimos.

Hay otro personaje oscuro, el líder supremo Snoke, del que no revelaremos más en este punto, pero digamos que no resulta completamente satisfactorio para mí.



Otra importante  apuesta de JJ Abrams es la que realiza por el uso de modelos en lugar de CGI (imatges generades por ordinador), en clara oposición a la orgía de CGI que George Lucas entregó en la segunda trilogía (com irónicamente se muestra en esta imatge).


Sobre la trama. Una crítica justa & nbsp; que se puede hacer a El despertar de la fuerza es que podría ser descrita como una nueva versión del Episodio IV, la película original de 1977. No puedo decir que esto sea un problema para mí, porque era más una repetición de & nbsp; la estructura de la película original que un remake, pero no se puede negar que es una crítica justa.



lunes, 25 de febrero de 2013

Argo (2012)

título original: Argo
director: Ben Affleck
guionista: Chris Terrio,
basado en el libro de Tony Mendez "The Master of Disguise",
y en el artículo de Joshuah Bearman "Escape from Tehran"
director de fotografía: Rodrigo Prieto
montaje: William Goldenberg
música: Alexandre Desplat
intérpretes: Ben Affleck, Bryan Cranston, John Goodman
imdb



Argo ha ganado esta pasada madrugada el Oscar a la mejor película, un premio totalmente desmesurado para esta película que, aunque correcta, está lejos de ser una película redonda. 



Argo cuenta (o ficciona) la historia real del rescate de seis norteamericanos que lograron escapar de la embajada de EEUU cuando los iranies la tomaron después de la revolución, y se refugiaron en la casa del embajador canadiense.

Para conseguir su salida del país sin ser identificados, un agente de la CIA monta una falsa película de ciencia ficción, que llevaría por título precisamente Argo, y que se rodaría en Irán.



Tal vez el punto débil de Argo sea el guión, ya que no consigue dotar de dramatismo real a la narración, probablemente la poca fuerza del guión sea el principal pero que se le puede presentar al Oscar a la mejor película.


Lo mejor probablemente sea la recreación de los años setenta, una estética por la que siento debilidad, lo confieso. La dirección de Ben Affleck es sobria y eficiente, y la combina con una interpretación de perfil bajo, realmente ajustada.


Argo es una película recomentable, perfectamente ambientada, con una dirección correcta, pero sin la fuerza ni la entidad necesaria para hacerla merecedora del Oscar a la mejor película. Claro, eso si pensasemos que los Oscars son justos...




sábado, 23 de febrero de 2013

Orfeo Negro (1959)

título original: Orfeu Negro
director: Marcel Camus
guionista: Marcel Camus y Jacques Viot,
basado en la obra de Vinicius de Moraes "Orfeu do Carnaval"
director de fotografía: Jean Bourgoin
montaje: Andrée Feix
música: Luiz Bonfá, Antonio Carlos Jobim
intérpretes: Breno Mello, Marpessa Dawn, Lourdes de Oliveira
imdb



Orfeo Negro es una película muy interesante por diversos aspectos. Pero tal vez el más llamativo es que sea actualmente una película tan poco conocida... Y eso, a pesar de que Ofeo Negro ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes en 1959, y tanto el Oscar como el Globo de Oro a la mejor película extranjera en 1960. Eso da el nivel de reconocimiento que tuvo la película en el momento del estreno.

Otra muestra de la fama de Orfeo Negro en su momento es que el mismísimo Barack Obama se refiere a ella en sus memorias, Dreams from My Father, donde cuenta como su madre le llevó a ver la película y cómo interpretó la película desde su punto de vista de afroamericano, un análisis probablemente injusto con una película mucho más alejada de su mundo de lo que él creía exclusivamente por el color de la piel de los protagonistas.

Pero, ¿a qué se debe el olvido sufrido por esta película? Probablemente las razones son múltiples, pero una de las principales, tal vez sea que el paso del tiempo no ha sido especialmente benévolo con esta película. Su discurso, su fotografía, su enfoque de la vida en las favelas... todo ello visto hoy en día resulta totalmente extemporáneo. Pero este análisis, o crítica, si lo preferimos, que se puede hacer a Orfeo Negro, no debe ocultar las virtudes que acumula este film.



El argumento de Orfeo Negro se basa en la obra teatral de Vinícius de Moraes, Orfeu do Carnaval (o Orfeu da Conceição), que adapta la historia de la mitología griega de Orfeo y Eurídice al Brasil de los años cincuenta, y concretamente a los días de Carnaval de Río de Janeiro.

Aunque resulte sorprendente, se trata de una producción francesa; a pesar de que, puede parece una versión naïve de la blaxploitation (cine hecho por y para personas de color) estadounidense. Y es que en Orfeo Negro no hay personajes blancos, incluso los personajes de un nivel socioeconómico superior (aquellos que normalmente suelen presentarse como blancos en el cine norteamericano) son personajes de color. Es innegable que el hecho de que se trate de un equipo francés probablemente aporte un punto de vista idealizado de la vida de las favelas, pero al fin y al cabo se trata de una película y no de un documental.



Toda la película tiene, intencionadamente, una estética mágica, sobrenatural, que recuerda a la serie de adaptaciones que Roger Corman realizó de la obra de Edgar Allan Poe, básicamente por la intensidad del color; pero también al cine de bollywood. Incluso el tratamiento de la historia de amor entre los protagonistas tiene un tratamiento que recuerda el cine indio.


A pesar de los efectos que hemos comentado que el paso del tiempo ha tenido sobre ella, Orfeo Negro sigue siendo una película sorprendente y muy reivindicable, tanto por su estética como por su espíritu. Una película en las antípodas del cine social que nos llega actualmente desde Brasil.


Orfeo Negro tiene tres pasajes bastante diferenciados: el primero es la historia de amor entre Orfeo y Eurídice, que es la que recuerda en gran medida el cine de bollywood o, incluso, salvando las distancias, West Side Story.

La segunda parte son las apariciones de la muerte que viene en busca de Eurídice, y que serían los pasajes que más recordarían a Roger Corman (a pesar de que el disfraz -recordemos que es Carnaval- utilizado por la muerte, pueda resultar en algunos momentos poco terrorífico).

[POSIBLE SPOILER] Y la tercera parte es la que cuenta, el viaje de Orfeo al inframundo en busca de Eurídice, y que, parece bastante probable que inspirase a Terry Gilliam en la creación de algunas escenas de su genial Brazil (1985).



Les dejo con unas cuantas imágenes de la película, que muestran la sorprendente mezcla entre estética colorista (casi kistch) y cine racial.






miércoles, 20 de febrero de 2013

El escritor (2010)

título original: The Ghost Writer
director: Roman Polanski
guionista: Roman Polanski y Robert Harris, sobre la novela de este último
director de fotografía: Pawel Edelman
montaje: Hervé de Luze
música: Alexandre Desplat
intérpretes: Ewan McGregor, Pierce Brosnan, Olivia Williams
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Roman Polanski es, sin ningún género de duda, uno de los directores más solventes de la actualidad, al nivel de Clint Eastwood o Peter Weir. Solventes, en el sentido de que hace años que ninguno de los dos firma una mala película (en el caso de Eastwood desde El sargento de hierro, 1986; en el caso de Polanski desde  La novena puerta, en 1999).


El escritor (El escritor fantasma, en su título original, que es el término inglés para referirse a los escritores que actúan como negro, autores reales de un libro que se publica con el nombre de otra persona, siempre una personalidad pública y/o celebridad), cuenta la historia de un escritor especializado en biografías, que es contratado por un ex-primer ministro británico para escribir su biografía.


Además de la trama (sin ser excepcionalmente original ni brillante, consigue mantener el interés) y la excepcional habilidad de Polanski para el thriller, El escritor se beneficia de unas grandes interpretaciones, destacando especialmente, amén del siempre solvente Ewan McGregor, la interpretación de Olivia Williams como esposa del ex-primer ministro.


Y un aspecto a resalta de El escritor es como consigue crear una ambientación especial. Incluso en las calles de Londres disfrutamos de ese ambiente casi diríamos que mágico, aunque es en el tramo situado en la isla donde la creación de esa atmósfera resultan totalmente cautivadora, algo que debería servir de ejemplo para muchos directores de películas fantásticas y de terror, que se muestran incapaces de dotar a sus obras de una ambientación apropiada.


Tal vez El escritor no sea la mejor película de Polanski (algo prácticamente imposible siendo el autor de obras maestras como Chinatown o La semilla del diablo) pero sin duda es uno de los mejores thrillers de los últimos años.



lunes, 18 de febrero de 2013

Grabbers (2012)

título original: Grabbers
director: Jon Wright
guionista: Kevin Lehane
director de fotografía: Trevor Forrest
montaje: Matt Platts-Mills
música: Christian Henson
intérpretes: Richard Coyle, Ruth Bradley, Russell Tovey
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Grabbers es una película de serie B sobre monstruos. Hasta ahí nada que no se pueda deducir de su poster.   Este era un género bastante frecuente en los años cincuenta y sesenta, con obras maestras como Them (La humanidad en peligro) (1954) o The Day of the Triffids (El día de los trífidos) (1962).

Este género había caido en desgracia durante los setenta (a pesar de una de las cumbres del género, la segunda versión de La invasión de los ultracuerpos (1978) y los ochenta.

Una de las pocas muestras dignas del género posteriores, nos llega en 1990, Temblores, y nos cuenta la invasión de un pueblo aislado por unos monstruos subterráneos, que excavan galerías.

Si cambiamos monstruos subterráneos por monstruos marinos obtenemos Grabbers.

Pero Temblores no sólo recuperó un género en decadencia sinó también su espíritu, demostrando que con un hábil guión se podía suplir perfectamente la falta de recursos. Y ésto es lo que intenta la película que nos ocupa.


El guión de Grabbers es suficientemente hábil, incluyendo numerosos homenajes, que agradarán a los aficionados al género: el principio es un homenaje a La cosa, de John Carpenter, o una escena con una chimenea que homenajea Encuentros en la tercera fase, de Spielberg


El guión no pretende ser especialmente original, sino que va recuperando, de forma sutil pero indisimulada, las escenas arquetípicas del género. Pero eso sí, con un guión lo suficientemente acertado para que en ningún momento nos preocupe ese "pequeño" detalle.

Además, la dirección és firme y acertada, combinando humor y terror de forma acertada.


La fotografía es sorprendentemente bella (para una película del género) y, aunque a años luz, recuerda por momentos la fotografía de Freddie Young para La hija de Ryan, de David Lean.


Una película recomendable, entretenida y sin pretensiones, digno homenaje de Temblores, y que incluso supera a aquella en algunos aspectos artísticos. 




lunes, 4 de febrero de 2013

Utopia (2013)

título original: Utopia
creador: Dennis Kelly
director: Marc Munden
guionistas: Mark Aldridge, Dennis Kelly, Huw Kennair-Jones, Clare McDonald
director de fotografía: Ole Bratt Birkeland
montaje: Luke Dunkley
música: Cristobal Tapia de Veer
intérpretes: Paul Higgins, Alexandra Roach, Fiona O'Shaughnessy
imdb



Utopia es una fascinante serie creada por Dennis Kelly, autor de teatro y que anteriormente había realizado varios trabajos para televisión, sin gran repercusión fuera de su país. Pero con Utopia consigue, no sólo una serie apasionante, sinó que totalmente diferente de lo que solemos ver en sus parientes norteamericanas. Un planteamiento parecido a Sherlock pero bastante más radical.



El argumento ya es de por sí innovador (aunque no vamos a desvelar mucho): un grupo de jóvenes y una organización secreta (algo así como "la sección" de la trilogía Millenium), así como otros personajes, buscan una novela gráfica llamada Utopia que contiene información por la que algunos están dispuestos a asesinar.


Pero no sólo el argumento tiene intención renovadora, la dirección artística, la fotografía y la música también comparten la voluntad de innovar. La fotografía apasionará especialmente a los amantes del urbanismo y la arquitectura del paisaje. Y la música, perfectamente conjugada con la acción, demuestra que aun es posible sorprender con nuevas sonoridades.


Una serie interesantíma, altamente recomendable y sumamente entretenida.










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